REPERTUAR
Brak wydarzeń w wybranym dniu
Wydarzenie numer 1
„Pucio kocha zwierzaki” to ekranizacja bestsellerowej serii książek dr Marty Galewskiej-Kustry z ilustracjami Joanny Kłos. Opowieści o Puciu, publikowane przez Wydawnictwo „Nasza Księgarnia”, w lekki, mądry i pełen humoru sposób oswajają tematy bliskie wszystkim przedszkolakom. W animacji ponownie usłyszymy gwiazdorską obsadę dubbingową: m.in. Joannę Pach-Żbikowską, Małgorzatę Sochę i Artura Barcisia, oraz wyjątkową oprawę muzyczną autorstwa Grzegorza Turnaua.
Odcinki, które zobaczymy w trakcie seansów:
● Pucio u weterynarza – reż. Anna Błaszczyk
● Pucio i Malina w przedszkolu – reż. Marta Stróżycka
● Pucio i pojazdy – reż. Marta Stróżycka
● Pucio i kołysanka dla samolotu – reż. Marta Stróżycka
● Pucio tańczy – reż. Anna Błaszczyk
● Pucio sadzi drzewo – reż. Katarzyna Agopsowicz
● Pucio i późny spacer – reż. Dominik Litwiniak
CZAS TRWANIA: 45 min.
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 2
„Pejzaż w kolorze sepii” to japońsko-polska produkcja na podstawie głośnej powieści Kazuo Ishiguro, laureata Nagrody Nobla, premierowo pokazana w selekcji oficjalnej festiwalu w Cannes.
Film w reżyserii Keiego Ishikawy jest pełną napięcia i niedopowiedzeń opowieścią o rodzinnych sekretach, pułapkach pamięci i kruchej więzi między matką a córką.
Niki, dwudziestopięcioletnia pisarka wychowana w Wielkiej Brytanii, odwiedza na angielskiej prowincji swoją matkę Etsuko. Pretekstem jest sprzedaż rodzinnego domu, ale za pozornie zwyczajnym spotkaniem kryje się potrzeba zadania pytań, które przez lata pozostawały niewypowiedziane. Niki wie niewiele o japońskiej przeszłości matki, o powojennym Nagasaki, z którego Etsuko wyjechała do Wielkiej Brytanii, ani o okolicznościach, w jakich wraz z nią opuściła Japonię jej starsza córka Keiko. Wyznania Etsuko pełne są luk, uników i przemilczeń; każde wspomnienie może być zarówno tropem prowadzącym do prawdy, jak i zasłoną chroniącą przed bolesną pamięcią.
Kei Ishikawa przenosi na ekran charakterystyczny dla Ishiguro świat ulotnych wspomnień, emocji ukrytych pod powierzchnią i przeszłości, która nigdy nie daje się opowiedzieć do końca.
Atmosferę narastającego napięcia i tajemnicy budują stylowe, hipnotyzujące zdjęcia Piotra Niemyjskiego oraz muzyka Pawła Mykietyna, kompozytora znanego z filmów „IO” i „Essential Killing”. Za produkcję filmu odpowiada Mariusz Włodarski, producent takich tytułów jak „Dziewczyna z igłą”, „Sweat” czy „Brzydka siostra”.
Film w reżyserii Keiego Ishikawy jest pełną napięcia i niedopowiedzeń opowieścią o rodzinnych sekretach, pułapkach pamięci i kruchej więzi między matką a córką.
Niki, dwudziestopięcioletnia pisarka wychowana w Wielkiej Brytanii, odwiedza na angielskiej prowincji swoją matkę Etsuko. Pretekstem jest sprzedaż rodzinnego domu, ale za pozornie zwyczajnym spotkaniem kryje się potrzeba zadania pytań, które przez lata pozostawały niewypowiedziane. Niki wie niewiele o japońskiej przeszłości matki, o powojennym Nagasaki, z którego Etsuko wyjechała do Wielkiej Brytanii, ani o okolicznościach, w jakich wraz z nią opuściła Japonię jej starsza córka Keiko. Wyznania Etsuko pełne są luk, uników i przemilczeń; każde wspomnienie może być zarówno tropem prowadzącym do prawdy, jak i zasłoną chroniącą przed bolesną pamięcią.
Kei Ishikawa przenosi na ekran charakterystyczny dla Ishiguro świat ulotnych wspomnień, emocji ukrytych pod powierzchnią i przeszłości, która nigdy nie daje się opowiedzieć do końca.
Atmosferę narastającego napięcia i tajemnicy budują stylowe, hipnotyzujące zdjęcia Piotra Niemyjskiego oraz muzyka Pawła Mykietyna, kompozytora znanego z filmów „IO” i „Essential Killing”. Za produkcję filmu odpowiada Mariusz Włodarski, producent takich tytułów jak „Dziewczyna z igłą”, „Sweat” czy „Brzydka siostra”.
CZAS TRWANIA: 123 min.
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 3
Kręciołek mieszka pod ziemią na pięknej wyspie Bornholm.
Razem z całą rodziną trolli woli pozostawać pod powierzchnią.
Wszak życie na powierzchni jest pełne niebezpieczeństw.
Pewnego dnia wspaniałą zabawę w loty na grzbietach
nietoperzy przerywa mu głośny grzmot. Kręciołek
postanawia wyjść na powierzchnię i sprawdzić, co takiego
wydarzyło się w świecie ludzi. To będzie początek wspaniałej przygody.
CZAS TRWANIA: 80 min.
CZAS TRWANIA: 80 min.
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 4
Czuły, skrzący się humorem portret człowieka w walce o marzenia, w którym każdy odnajdzie cząstkę siebie. W pewnym momencie życia wszyscy jesteśmy Arkami.
Nadopiekuńcza mama? Jest. Milczący tata? Też. Kryzys twórczy i stałe uczucie niespełnienia? Są! Arysta Arek Pasożyt naprawdę ma pod górkę. By uwolnić się z sytuacji bez wyjścia, postanawia po raz pierwszy wyjechać w Tatry. Tam trafia na ślad największego obrazu w historii Polski – monumentalnej (115x16m!) Panoramy Tatr, zaginionej ponad 130 lat temu. Postanawia ją odnaleźć. Arek pokonuje rowerem urokliwe wsie Podhala i wspina się na tatrzańskie granie. W czasie poszukiwań walczy z sierpniowym słońcem, kruchą ludzką pamięcią i wadliwą kuchenką turystyczną. Odkrywając kolejne fragmenty układanki, dowiaduje się coraz więcej o historii sprzed lat, ale i o sobie samym. Czy z mamą nadzorującą każdy jego krok, niezrozumieniem ze strony świata sztuki i własnymi wątpliwościami Arek ma szansę dokonać czegoś równie wielkiego, jak poszukiwany przez niego obraz?
reż. Mikołaj Janik
Polska 2026, 72'
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 5
Co się stanie, gdy zwykła jedenastolatka zyska niezwykłą moc?
Po tajemniczym ugryzieniu przez świnkę morską Emilia odkrywa, że potrafi przemieniać się w Super Futrzaka – niezwykłą bohaterkę, której misją jest ochrona przyrody. Dzięki magicznemu napojowi odzyskuje siły i staje do walki z zagrożeniami, którym nikt inny nie potrafi sprostać.
Wszystko zmienia się, gdy butelka z cennym eliksirem wpada w niepowołane ręce. Bez źródła swojej mocy Emilia musi zmierzyć się z przeciwnikami, zwątpieniem i własnym strachem. Czy zdoła ocalić to, co kocha, kiedy nie będzie mogła już liczyć na magię?
Pełna humoru, przygód i wzruszeń opowieść o odwadze, przyjaźni i sile, która drzemie w każdym z nas. Bo prawdziwy superbohater nie rodzi się z magicznych mocy – rodzi się z serca.
Familijny | Od lat 7 | 90 min
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 6
Pocałunek Gustava Klimta jest podobno najczęściej reprodukowanym obrazem. Plakaty z jego wizerunkiem wiszą w akademikach całego świata, wciąż zajmując w nich pierwsze miejsce. Kubki, magnesy, notesy, długopisy – na tym wszystkim można znaleźć wizerunek tego obrazu, szczególnie jeśli odwiedza się Wiedeń.
W premierowym filmie z cyklu Wystawa w Kinie będziemy mogli przyjrzeć się detalom tego namalowanego prawdziwym złotem obrazu, który wisi w Belvedere Museum w Wiedniu. Poznamy też jego historię i historię samego Gustava Klimta, niedoścignionego mistrza Secesji Wiedeńskiej. Przyjrzymy się również innym obrazom tego artysty. Film ten przygotowali twórcy Nowego Vermeera. Wystawy wszech czasów.
W premierowym filmie z cyklu Wystawa w Kinie będziemy mogli przyjrzeć się detalom tego namalowanego prawdziwym złotem obrazu, który wisi w Belvedere Museum w Wiedniu. Poznamy też jego historię i historię samego Gustava Klimta, niedoścignionego mistrza Secesji Wiedeńskiej. Przyjrzymy się również innym obrazom tego artysty. Film ten przygotowali twórcy Nowego Vermeera. Wystawy wszech czasów.
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 7
Elektryzujący, nonszalancki i pełen nieposkromionej energii legendarny debiut Jean-Luca Godarda. Film, od którego na dobre zaczęło się współczesne kino. Drobny gangster Michel (Jean-Paul Belmondo) przyjeżdża kradzionym samochodem z Marsylii do Paryża. Tam spotyka się z młodą Amerykanką Patricią (Jean Seberg), która stawia pierwsze kroki jako dziennikarka. Para flirtuje ze sobą i angażuje się w romantyczną grę – czy kryminalne sprawy Michela wpłyną na ich relację?
Zrywając z konwencjami i proponując własną, dynamiczną estetykę, Do utraty tchu utorowało drogę wszystkim późniejszym „nowym falom” oraz połączyło miłość do amerykańskiej kultury z paryską kinofilią i duchem młodości. Trudno przecenić wpływ filmu na kolejne pokolenia twórców: od Nowego Hollywood po zastępy niezależnych reżyserów i reżyserek, dla których brawurowe dzieło Godarda pozostaje niesłabnącym źródłem inspiracji. Kręcone małą ekipą na ulicach Paryża, Do utraty tchu wypromowało też ikoniczny duet: buńczucznego Belmondo oraz nowoczesną, nieprzystępną Seberg. Kiedy myślimy o Francji jako o stolicy kina, przed oczami mamy właśnie kadry z debiutu Godarda. Zafascynowany Do utraty tchu Richard Linklater zrealizował wchodzącą właśnie do polskich kin Nową falę: stylizowaną na przełom lat 50. i 60. opowieść o tym, jak powstawał ten jeden z najsłynniejszych filmów w historii kina.
Ekscytująca zabawa gatunkami, jaką dostajemy w Do utraty tchu, to z jednej strony bunt przeciwko zmurszałemu kinu lat 50., z którym nowofalowcy chcieli się rozprawić, a z drugiej – efekt niezliczonych seansów hollywoodzkich filmów klasy B, jakie pasjami oglądali oni w paryskich kinach. Jest to też buńczuczna deklaracja twórcy, który zdaje się mówić: „Nazywam się Godard i na waszych oczach zmieniam to, co wszyscy kochamy najbardziej: KINO”.
Ponad 60 lat po premierze, Do utraty tchu pozostaje klasykiem gwałtownym, ekscytującym i wciąż atrakcyjnym.
Wersja odrestaurowana 4K w dystrybucji Past Perfect.
Zrywając z konwencjami i proponując własną, dynamiczną estetykę, Do utraty tchu utorowało drogę wszystkim późniejszym „nowym falom” oraz połączyło miłość do amerykańskiej kultury z paryską kinofilią i duchem młodości. Trudno przecenić wpływ filmu na kolejne pokolenia twórców: od Nowego Hollywood po zastępy niezależnych reżyserów i reżyserek, dla których brawurowe dzieło Godarda pozostaje niesłabnącym źródłem inspiracji. Kręcone małą ekipą na ulicach Paryża, Do utraty tchu wypromowało też ikoniczny duet: buńczucznego Belmondo oraz nowoczesną, nieprzystępną Seberg. Kiedy myślimy o Francji jako o stolicy kina, przed oczami mamy właśnie kadry z debiutu Godarda. Zafascynowany Do utraty tchu Richard Linklater zrealizował wchodzącą właśnie do polskich kin Nową falę: stylizowaną na przełom lat 50. i 60. opowieść o tym, jak powstawał ten jeden z najsłynniejszych filmów w historii kina.
Ekscytująca zabawa gatunkami, jaką dostajemy w Do utraty tchu, to z jednej strony bunt przeciwko zmurszałemu kinu lat 50., z którym nowofalowcy chcieli się rozprawić, a z drugiej – efekt niezliczonych seansów hollywoodzkich filmów klasy B, jakie pasjami oglądali oni w paryskich kinach. Jest to też buńczuczna deklaracja twórcy, który zdaje się mówić: „Nazywam się Godard i na waszych oczach zmieniam to, co wszyscy kochamy najbardziej: KINO”.
Ponad 60 lat po premierze, Do utraty tchu pozostaje klasykiem gwałtownym, ekscytującym i wciąż atrakcyjnym.
Wersja odrestaurowana 4K w dystrybucji Past Perfect.
CZAS TRWANIA: 90 min.
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 8
Najnowszy film Asghara Farhadiego jest luźno inspirowany Krótkim filmem o miłości Krzysztofa Kieślowskiego, ale wielbiciele jego twórczości dostrzegą tu także nawiązania do Krótkiego filmu o zabijaniu, Czerwonego, Niebieskiego czy Podwójnego życia Weroniki. Nie mówiąc o tym, że autorem muzyki do Historii równoległych jest Zbigniew Preisner. O ile jednak Kieślowski z Preisnerem oczarowali świecki Zachód duchowością i metafizyką, Farhadi stoi mocno na ziemi. Tym, co interesuje go najbardziej, jest relacja rzeczywistości i fikcji, której status brzmi: „to skomplikowane”.
reżyseria: Asghar Farhadi
aktorzy: Isabelle Huppert, Vincent Cassel, Virginie Efira, Catherine Deneuve, Pierre Niney
Francja/Włochy/Belgia 2026
CZAS TRWANIA: 139 min.
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 9
Nowy film producentów „Wielkiego piękna” i „Młodości”. Barwna, porywająca, wypełniona muzyką opowieść o jednym z najwybitniejszych kompozytorów w historii – Antonio Vivaldim. Wenecja, początek XVIII wieku — miasto kontrastów. Z jednej strony bogactwo, sztuka i swoboda obyczajowa, z drugiej surowe instytucje religijne i wyraźne podziały społeczne. Przebywająca w sierocińcu Ospedale della Pietà nastoletnia utalentowana skrzypaczka Cecilia (Tecla Insolia) trafia pod skrzydła nowego nauczyciela – Antonio Vivaldiego (Michele Riondino). Otoczona jego opieką zaczyna wierzyć, że uda jej się uniknąć zaaranżowanego małżeństwa i zawalczyć o własną drogę. Film dostępny z audiodeskrypcją w aplikacji Kino Dostępne 2.0.
CZAS TRWANIA: 110 min.
CZAS TRWANIA: 110 min.
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 10
Józef K. wezwany niespodziewanie przed sąd, nie znając aktu oskarżenia ani swoich sędziów, przechodzi długotrwały proces psychicznej metamorfozy, ulegając stopniowo fascynującej potędze nieuchwytnego i niesprecyzowanego do końca wymiaru sprawiedliwości. Welles ukazuje Kafkowskiego bohatera beznadziejnie błąkającego się wśród labiryntu sądowych korytarzy i bezskutecznie usiłującego ustalić przyczyny oskarżenia. Tajemnicza i bezwzględna machina biurokratyczna sprawia, że bohater akceptuje końcu swoją tragiczną sytuację. Welles, będąc w zasadzie wierny duchowi Kafkowskiego arcydzieła, wprowadził kilka własnych, dość śmiałych pomysłów realizacyjnych, które jednak nie wpłynęły na głębię przesłania literackiego pierwowzoru.
Reżyseria
Orson Welles
Obsada
Anthony Perkins, Orson Welles, Jeanne Moreau, Romy Schneider, Arnoldo Foà
CZAS TRWANIA: 119 min.
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 11
Pedro Almodóvar powraca w szczytowej formie z jednym ze swoich najbardziej osobistych filmów. W „Gorzkich świętach” - jego pierwszej od 5 lat hiszpańskojęzycznej produkcji - jest wszystko, za co widzowie kochają jego kino: namiętność, intensywne kolory, przewrotny humor i pełnokrwiste postaci, które wymykają się prostym schematom. Na ekranie pojawiają się aktorzy i aktorki znani z wcześniejszych filmów reżysera: Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Victoria Luengo, Aitana Sánchez-Gijón, Milena Smit oraz jedna z najważniejszych muz Almodóvara – Rossy de Palma.
Bohaterką filmu jest czterdziestoletnia Elza (Bárbara Lennie), która po śmierci matki rzuca się w wir pracy, nie pozwalając sobie na żałobę. Dopiero atak paniki zmusza ją do zatrzymania się i wyruszenia w podróż, która stanie się konfrontacją z przeszłością, utraconymi relacjami i niespełnionymi pragnieniami. Z przypadkowych spotkań, emocjonalnych zwrotów i splatających się życiorysów Almodóvar tka opowieść o tym, jak pamięć, fikcja i pragnienie nieustannie przepisują nasze życie.
„Gorzkie święta” to szczególny prezent dla tych, którzy dorastali z kinem hiszpańskiego mistrza – od „Kobiet na skraju załamania nerwowego”, przez „Wszystko o mojej matce” i „Porozmawiaj z nią”, po „Volver”, „Przerwane objęcia” i „Ból i blask”. To także film, który idzie o krok dalej: jeszcze mocniej pokazuje, że każdy z nas nie tylko przeżywa własną historię, ale też bez końca ją sobie opowiada. Almodóvar składa tu poruszające wyznanie wiary w siłę kina, pamięci i narracji.
Bohaterką filmu jest czterdziestoletnia Elza (Bárbara Lennie), która po śmierci matki rzuca się w wir pracy, nie pozwalając sobie na żałobę. Dopiero atak paniki zmusza ją do zatrzymania się i wyruszenia w podróż, która stanie się konfrontacją z przeszłością, utraconymi relacjami i niespełnionymi pragnieniami. Z przypadkowych spotkań, emocjonalnych zwrotów i splatających się życiorysów Almodóvar tka opowieść o tym, jak pamięć, fikcja i pragnienie nieustannie przepisują nasze życie.
„Gorzkie święta” to szczególny prezent dla tych, którzy dorastali z kinem hiszpańskiego mistrza – od „Kobiet na skraju załamania nerwowego”, przez „Wszystko o mojej matce” i „Porozmawiaj z nią”, po „Volver”, „Przerwane objęcia” i „Ból i blask”. To także film, który idzie o krok dalej: jeszcze mocniej pokazuje, że każdy z nas nie tylko przeżywa własną historię, ale też bez końca ją sobie opowiada. Almodóvar składa tu poruszające wyznanie wiary w siłę kina, pamięci i narracji.
reżyseria: Pedro Almodóvar
aktorzy: Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón, Victoria Luengo, Patrick Criado, Milena Smit, Quim Gutiérrez, Rossy de Palma, Carmen Machi
Hiszpania 2026,111'
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 12
Pokazywane w zeszłorocznym konkursie festiwalu w Cannes najnowsze dzieło Richarda Linklatera to energetyczna i błyskotliwa podróż do czasów narodzin francuskiej nowej fali. Reżyser, jeden z najważniejszych twórców amerykańskiego kina niezależnego, składa hołd Godardowi i całemu pokoleniu artystów, którzy odmienili oblicze światowego kina. Nowa fala to film o pasji, wolności twórczej i odwadze marzenia inaczej. Z niezwykłą lekkością i humorem pokazuje artystę w momencie, gdy rodzi się dzieło, a kino staje się przestrzenią buntu i młodzieńczej energii.
CZAS TRWANIA: 105 min.
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 13
Wskutek tajemniczego wydarzenia ulica Dębowa zostaje oddzielona od przedmieść i przeniesiona w nieznane miejsce. Tam, w zupełnie obcej okolicy, rodzina Plattów szybko przekonuje się, że aby przetrwać, musi trzymać się razem.
Reż: David Robert Mitchell Występują: Anne Hathaway, Ewan McGrego
CZAS TRWANIA: 110 min.
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 14
Wskutek tajemniczego wydarzenia ulica Dębowa zostaje oddzielona od przedmieść i przeniesiona w nieznane miejsce. Tam, w zupełnie obcej okolicy, rodzina Plattów szybko przekonuje się, że aby przetrwać, musi trzymać się razem.
Reż: David Robert Mitchell Występują: Anne Hathaway, Ewan McGrego
CZAS TRWANIA: 110 min.
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 15
Z pozoru stateczne i szczęśliwe małżeństwo – Julia (Julia Jentsch) i Tobias (Felix Kramer), właśnie doświadcza tego na własnej skórze… Ich nastoletnia córka Marielle (Laeni Geiseler), po tym, jak została uderzona w głowę podczas szkolnej przepychanki, ku swojemu zaskoczeniu posiadła niezwykły i niekomfortowy dar – zaczyna słyszeć wszystkie wypowiedzi swoich rodziców, nawet te, przy których nie jest obecna. Zarówno Tobias, jak i Julia mają coś za uszami, ukrywając swoje prawdziwe uczucia za fasadą stabilnego życia w wyższej klasie średniej. Nadszedł jednak czas, żeby w końcu skonfrontować się z prawdą.
Nagrodzona na festiwalu w Berlinie nowa produkcja z gwiazdą niemieckiego kina Julią Jentsch to prześmiewcza historia o trudach i rozczarowaniach związanych z dorosłością.
CZAS TRWANIA: 89 min.
CZAS TRWANIA: 89 min.
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 16
„Pucio kocha zwierzaki” to ekranizacja bestsellerowej serii książek dr Marty Galewskiej-Kustry z ilustracjami Joanny Kłos. Opowieści o Puciu, publikowane przez Wydawnictwo „Nasza Księgarnia”, w lekki, mądry i pełen humoru sposób oswajają tematy bliskie wszystkim przedszkolakom. W animacji ponownie usłyszymy gwiazdorską obsadę dubbingową: m.in. Joannę Pach-Żbikowską, Małgorzatę Sochę i Artura Barcisia, oraz wyjątkową oprawę muzyczną autorstwa Grzegorza Turnaua.
Odcinki, które zobaczymy w trakcie seansów:
● Pucio u weterynarza – reż. Anna Błaszczyk
● Pucio i Malina w przedszkolu – reż. Marta Stróżycka
● Pucio i pojazdy – reż. Marta Stróżycka
● Pucio i kołysanka dla samolotu – reż. Marta Stróżycka
● Pucio tańczy – reż. Anna Błaszczyk
● Pucio sadzi drzewo – reż. Katarzyna Agopsowicz
● Pucio i późny spacer – reż. Dominik Litwiniak
CZAS TRWANIA: 45 min.
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 17
Kręciołek mieszka pod ziemią na pięknej wyspie Bornholm.
Razem z całą rodziną trolli woli pozostawać pod powierzchnią.
Wszak życie na powierzchni jest pełne niebezpieczeństw.
Pewnego dnia wspaniałą zabawę w loty na grzbietach
nietoperzy przerywa mu głośny grzmot. Kręciołek
postanawia wyjść na powierzchnię i sprawdzić, co takiego
wydarzyło się w świecie ludzi. To będzie początek wspaniałej przygody.
CZAS TRWANIA: 80 min.
CZAS TRWANIA: 80 min.
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 18
Czuły, skrzący się humorem portret człowieka w walce o marzenia, w którym każdy odnajdzie cząstkę siebie. W pewnym momencie życia wszyscy jesteśmy Arkami.
Nadopiekuńcza mama? Jest. Milczący tata? Też. Kryzys twórczy i stałe uczucie niespełnienia? Są! Arysta Arek Pasożyt naprawdę ma pod górkę. By uwolnić się z sytuacji bez wyjścia, postanawia po raz pierwszy wyjechać w Tatry. Tam trafia na ślad największego obrazu w historii Polski – monumentalnej (115x16m!) Panoramy Tatr, zaginionej ponad 130 lat temu. Postanawia ją odnaleźć. Arek pokonuje rowerem urokliwe wsie Podhala i wspina się na tatrzańskie granie. W czasie poszukiwań walczy z sierpniowym słońcem, kruchą ludzką pamięcią i wadliwą kuchenką turystyczną. Odkrywając kolejne fragmenty układanki, dowiaduje się coraz więcej o historii sprzed lat, ale i o sobie samym. Czy z mamą nadzorującą każdy jego krok, niezrozumieniem ze strony świata sztuki i własnymi wątpliwościami Arek ma szansę dokonać czegoś równie wielkiego, jak poszukiwany przez niego obraz?
reż. Mikołaj Janik
Polska 2026, 72'
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 19
„Pejzaż w kolorze sepii” to japońsko-polska produkcja na podstawie głośnej powieści Kazuo Ishiguro, laureata Nagrody Nobla, premierowo pokazana w selekcji oficjalnej festiwalu w Cannes.
Film w reżyserii Keiego Ishikawy jest pełną napięcia i niedopowiedzeń opowieścią o rodzinnych sekretach, pułapkach pamięci i kruchej więzi między matką a córką.
Niki, dwudziestopięcioletnia pisarka wychowana w Wielkiej Brytanii, odwiedza na angielskiej prowincji swoją matkę Etsuko. Pretekstem jest sprzedaż rodzinnego domu, ale za pozornie zwyczajnym spotkaniem kryje się potrzeba zadania pytań, które przez lata pozostawały niewypowiedziane. Niki wie niewiele o japońskiej przeszłości matki, o powojennym Nagasaki, z którego Etsuko wyjechała do Wielkiej Brytanii, ani o okolicznościach, w jakich wraz z nią opuściła Japonię jej starsza córka Keiko. Wyznania Etsuko pełne są luk, uników i przemilczeń; każde wspomnienie może być zarówno tropem prowadzącym do prawdy, jak i zasłoną chroniącą przed bolesną pamięcią.
Kei Ishikawa przenosi na ekran charakterystyczny dla Ishiguro świat ulotnych wspomnień, emocji ukrytych pod powierzchnią i przeszłości, która nigdy nie daje się opowiedzieć do końca.
Atmosferę narastającego napięcia i tajemnicy budują stylowe, hipnotyzujące zdjęcia Piotra Niemyjskiego oraz muzyka Pawła Mykietyna, kompozytora znanego z filmów „IO” i „Essential Killing”. Za produkcję filmu odpowiada Mariusz Włodarski, producent takich tytułów jak „Dziewczyna z igłą”, „Sweat” czy „Brzydka siostra”.
Film w reżyserii Keiego Ishikawy jest pełną napięcia i niedopowiedzeń opowieścią o rodzinnych sekretach, pułapkach pamięci i kruchej więzi między matką a córką.
Niki, dwudziestopięcioletnia pisarka wychowana w Wielkiej Brytanii, odwiedza na angielskiej prowincji swoją matkę Etsuko. Pretekstem jest sprzedaż rodzinnego domu, ale za pozornie zwyczajnym spotkaniem kryje się potrzeba zadania pytań, które przez lata pozostawały niewypowiedziane. Niki wie niewiele o japońskiej przeszłości matki, o powojennym Nagasaki, z którego Etsuko wyjechała do Wielkiej Brytanii, ani o okolicznościach, w jakich wraz z nią opuściła Japonię jej starsza córka Keiko. Wyznania Etsuko pełne są luk, uników i przemilczeń; każde wspomnienie może być zarówno tropem prowadzącym do prawdy, jak i zasłoną chroniącą przed bolesną pamięcią.
Kei Ishikawa przenosi na ekran charakterystyczny dla Ishiguro świat ulotnych wspomnień, emocji ukrytych pod powierzchnią i przeszłości, która nigdy nie daje się opowiedzieć do końca.
Atmosferę narastającego napięcia i tajemnicy budują stylowe, hipnotyzujące zdjęcia Piotra Niemyjskiego oraz muzyka Pawła Mykietyna, kompozytora znanego z filmów „IO” i „Essential Killing”. Za produkcję filmu odpowiada Mariusz Włodarski, producent takich tytułów jak „Dziewczyna z igłą”, „Sweat” czy „Brzydka siostra”.
CZAS TRWANIA: 123 min.
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 20
Co się stanie, gdy zwykła jedenastolatka zyska niezwykłą moc?
Po tajemniczym ugryzieniu przez świnkę morską Emilia odkrywa, że potrafi przemieniać się w Super Futrzaka – niezwykłą bohaterkę, której misją jest ochrona przyrody. Dzięki magicznemu napojowi odzyskuje siły i staje do walki z zagrożeniami, którym nikt inny nie potrafi sprostać.
Wszystko zmienia się, gdy butelka z cennym eliksirem wpada w niepowołane ręce. Bez źródła swojej mocy Emilia musi zmierzyć się z przeciwnikami, zwątpieniem i własnym strachem. Czy zdoła ocalić to, co kocha, kiedy nie będzie mogła już liczyć na magię?
Pełna humoru, przygód i wzruszeń opowieść o odwadze, przyjaźni i sile, która drzemie w każdym z nas. Bo prawdziwy superbohater nie rodzi się z magicznych mocy – rodzi się z serca.
Familijny | Od lat 7 | 90 min
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 21
Elektryzujący, nonszalancki i pełen nieposkromionej energii legendarny debiut Jean-Luca Godarda. Film, od którego na dobre zaczęło się współczesne kino. Drobny gangster Michel (Jean-Paul Belmondo) przyjeżdża kradzionym samochodem z Marsylii do Paryża. Tam spotyka się z młodą Amerykanką Patricią (Jean Seberg), która stawia pierwsze kroki jako dziennikarka. Para flirtuje ze sobą i angażuje się w romantyczną grę – czy kryminalne sprawy Michela wpłyną na ich relację?
Zrywając z konwencjami i proponując własną, dynamiczną estetykę, Do utraty tchu utorowało drogę wszystkim późniejszym „nowym falom” oraz połączyło miłość do amerykańskiej kultury z paryską kinofilią i duchem młodości. Trudno przecenić wpływ filmu na kolejne pokolenia twórców: od Nowego Hollywood po zastępy niezależnych reżyserów i reżyserek, dla których brawurowe dzieło Godarda pozostaje niesłabnącym źródłem inspiracji. Kręcone małą ekipą na ulicach Paryża, Do utraty tchu wypromowało też ikoniczny duet: buńczucznego Belmondo oraz nowoczesną, nieprzystępną Seberg. Kiedy myślimy o Francji jako o stolicy kina, przed oczami mamy właśnie kadry z debiutu Godarda. Zafascynowany Do utraty tchu Richard Linklater zrealizował wchodzącą właśnie do polskich kin Nową falę: stylizowaną na przełom lat 50. i 60. opowieść o tym, jak powstawał ten jeden z najsłynniejszych filmów w historii kina.
Ekscytująca zabawa gatunkami, jaką dostajemy w Do utraty tchu, to z jednej strony bunt przeciwko zmurszałemu kinu lat 50., z którym nowofalowcy chcieli się rozprawić, a z drugiej – efekt niezliczonych seansów hollywoodzkich filmów klasy B, jakie pasjami oglądali oni w paryskich kinach. Jest to też buńczuczna deklaracja twórcy, który zdaje się mówić: „Nazywam się Godard i na waszych oczach zmieniam to, co wszyscy kochamy najbardziej: KINO”.
Ponad 60 lat po premierze, Do utraty tchu pozostaje klasykiem gwałtownym, ekscytującym i wciąż atrakcyjnym.
Wersja odrestaurowana 4K w dystrybucji Past Perfect.
Zrywając z konwencjami i proponując własną, dynamiczną estetykę, Do utraty tchu utorowało drogę wszystkim późniejszym „nowym falom” oraz połączyło miłość do amerykańskiej kultury z paryską kinofilią i duchem młodości. Trudno przecenić wpływ filmu na kolejne pokolenia twórców: od Nowego Hollywood po zastępy niezależnych reżyserów i reżyserek, dla których brawurowe dzieło Godarda pozostaje niesłabnącym źródłem inspiracji. Kręcone małą ekipą na ulicach Paryża, Do utraty tchu wypromowało też ikoniczny duet: buńczucznego Belmondo oraz nowoczesną, nieprzystępną Seberg. Kiedy myślimy o Francji jako o stolicy kina, przed oczami mamy właśnie kadry z debiutu Godarda. Zafascynowany Do utraty tchu Richard Linklater zrealizował wchodzącą właśnie do polskich kin Nową falę: stylizowaną na przełom lat 50. i 60. opowieść o tym, jak powstawał ten jeden z najsłynniejszych filmów w historii kina.
Ekscytująca zabawa gatunkami, jaką dostajemy w Do utraty tchu, to z jednej strony bunt przeciwko zmurszałemu kinu lat 50., z którym nowofalowcy chcieli się rozprawić, a z drugiej – efekt niezliczonych seansów hollywoodzkich filmów klasy B, jakie pasjami oglądali oni w paryskich kinach. Jest to też buńczuczna deklaracja twórcy, który zdaje się mówić: „Nazywam się Godard i na waszych oczach zmieniam to, co wszyscy kochamy najbardziej: KINO”.
Ponad 60 lat po premierze, Do utraty tchu pozostaje klasykiem gwałtownym, ekscytującym i wciąż atrakcyjnym.
Wersja odrestaurowana 4K w dystrybucji Past Perfect.
CZAS TRWANIA: 90 min.
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 22
Zwycięzca festiwalu w Wenecji, „W pokoju obok", łączy na ekranie dwie wielkie osobowości i gwiazdy kina: Julianne Moore i Tildę Swinton. Melodramat Pedra Almodóvara to pełna emocji opowieść o pożegnaniach, spełnieniu, macierzyństwie i rodzinie z wyboru, a przede wszystkim – o życiu na swoich zasadach. Anglojęzyczny debiut Hiszpana otwiera zupełnie nowy rozdział w jego twórczości, zachowując przy tym charakterystyczne dla reżysera humor, melancholię i uwodzicielski splendor kostiumów i wnętrz. Eksplozja soczystych barw głosi pochwałę życia tak w radosnych, jak i w gorzkich odsłonach i jest hołdem dla przyjaźni, której blask złagodzi każdy ból.
Akcję „W pokoju obok" umieścił Almodóvar na Wschodnim Wybrzeżu USA. To w Nowym Jorku spotykają się przyjaciółki sprzed lat: wzięta pisarka Ingrid (Moore) i Martha (Swinton), reporterka wojenna, która toczy właśnie najważniejszą bitwę swojego życia. Rozdzieliły je zawodowe i prywatne wybory, a na nowo połączy los, którego się nie wybiera. W dramatycznych okolicznościach Ingrid i Martha dostrzegą szansę, by jeszcze raz przeżyć coś wspólnie.
Jeden z najwyżej ocenianych filmów Pedra Amodóvara jest ekranizacją „Pełni miłości", powieści Sigrid Nunez. „W pokoju obok" to terapeutyczne, niosące nadzieję kino, które nie wstydzi się wzruszać i wierzyć: w uzdrawiającą moc obecności i relacje odporne na upływ czasu.
Akcję „W pokoju obok" umieścił Almodóvar na Wschodnim Wybrzeżu USA. To w Nowym Jorku spotykają się przyjaciółki sprzed lat: wzięta pisarka Ingrid (Moore) i Martha (Swinton), reporterka wojenna, która toczy właśnie najważniejszą bitwę swojego życia. Rozdzieliły je zawodowe i prywatne wybory, a na nowo połączy los, którego się nie wybiera. W dramatycznych okolicznościach Ingrid i Martha dostrzegą szansę, by jeszcze raz przeżyć coś wspólnie.
Jeden z najwyżej ocenianych filmów Pedra Amodóvara jest ekranizacją „Pełni miłości", powieści Sigrid Nunez. „W pokoju obok" to terapeutyczne, niosące nadzieję kino, które nie wstydzi się wzruszać i wierzyć: w uzdrawiającą moc obecności i relacje odporne na upływ czasu.
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 23
Najnowszy film Asghara Farhadiego jest luźno inspirowany Krótkim filmem o miłości Krzysztofa Kieślowskiego, ale wielbiciele jego twórczości dostrzegą tu także nawiązania do Krótkiego filmu o zabijaniu, Czerwonego, Niebieskiego czy Podwójnego życia Weroniki. Nie mówiąc o tym, że autorem muzyki do Historii równoległych jest Zbigniew Preisner. O ile jednak Kieślowski z Preisnerem oczarowali świecki Zachód duchowością i metafizyką, Farhadi stoi mocno na ziemi. Tym, co interesuje go najbardziej, jest relacja rzeczywistości i fikcji, której status brzmi: „to skomplikowane”.
reżyseria: Asghar Farhadi
aktorzy: Isabelle Huppert, Vincent Cassel, Virginie Efira, Catherine Deneuve, Pierre Niney
Francja/Włochy/Belgia 2026
CZAS TRWANIA: 139 min.
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 24
Nowy film producentów „Wielkiego piękna” i „Młodości”. Barwna, porywająca, wypełniona muzyką opowieść o jednym z najwybitniejszych kompozytorów w historii – Antonio Vivaldim. Wenecja, początek XVIII wieku — miasto kontrastów. Z jednej strony bogactwo, sztuka i swoboda obyczajowa, z drugiej surowe instytucje religijne i wyraźne podziały społeczne. Przebywająca w sierocińcu Ospedale della Pietà nastoletnia utalentowana skrzypaczka Cecilia (Tecla Insolia) trafia pod skrzydła nowego nauczyciela – Antonio Vivaldiego (Michele Riondino). Otoczona jego opieką zaczyna wierzyć, że uda jej się uniknąć zaaranżowanego małżeństwa i zawalczyć o własną drogę. Film dostępny z audiodeskrypcją w aplikacji Kino Dostępne 2.0.
CZAS TRWANIA: 110 min.
CZAS TRWANIA: 110 min.
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 25
Pokazywane w zeszłorocznym konkursie festiwalu w Cannes najnowsze dzieło Richarda Linklatera to energetyczna i błyskotliwa podróż do czasów narodzin francuskiej nowej fali. Reżyser, jeden z najważniejszych twórców amerykańskiego kina niezależnego, składa hołd Godardowi i całemu pokoleniu artystów, którzy odmienili oblicze światowego kina. Nowa fala to film o pasji, wolności twórczej i odwadze marzenia inaczej. Z niezwykłą lekkością i humorem pokazuje artystę w momencie, gdy rodzi się dzieło, a kino staje się przestrzenią buntu i młodzieńczej energii.
CZAS TRWANIA: 105 min.
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 26
Wskutek tajemniczego wydarzenia ulica Dębowa zostaje oddzielona od przedmieść i przeniesiona w nieznane miejsce. Tam, w zupełnie obcej okolicy, rodzina Plattów szybko przekonuje się, że aby przetrwać, musi trzymać się razem.
Reż: David Robert Mitchell Występują: Anne Hathaway, Ewan McGrego
CZAS TRWANIA: 110 min.
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 27
Najnowszy film Asghara Farhadiego jest luźno inspirowany Krótkim filmem o miłości Krzysztofa Kieślowskiego, ale wielbiciele jego twórczości dostrzegą tu także nawiązania do Krótkiego filmu o zabijaniu, Czerwonego, Niebieskiego czy Podwójnego życia Weroniki. Nie mówiąc o tym, że autorem muzyki do Historii równoległych jest Zbigniew Preisner. O ile jednak Kieślowski z Preisnerem oczarowali świecki Zachód duchowością i metafizyką, Farhadi stoi mocno na ziemi. Tym, co interesuje go najbardziej, jest relacja rzeczywistości i fikcji, której status brzmi: „to skomplikowane”.
reżyseria: Asghar Farhadi
aktorzy: Isabelle Huppert, Vincent Cassel, Virginie Efira, Catherine Deneuve, Pierre Niney
Francja/Włochy/Belgia 2026
CZAS TRWANIA: 139 min.
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 28
Z pozoru stateczne i szczęśliwe małżeństwo – Julia (Julia Jentsch) i Tobias (Felix Kramer), właśnie doświadcza tego na własnej skórze… Ich nastoletnia córka Marielle (Laeni Geiseler), po tym, jak została uderzona w głowę podczas szkolnej przepychanki, ku swojemu zaskoczeniu posiadła niezwykły i niekomfortowy dar – zaczyna słyszeć wszystkie wypowiedzi swoich rodziców, nawet te, przy których nie jest obecna. Zarówno Tobias, jak i Julia mają coś za uszami, ukrywając swoje prawdziwe uczucia za fasadą stabilnego życia w wyższej klasie średniej. Nadszedł jednak czas, żeby w końcu skonfrontować się z prawdą.
Nagrodzona na festiwalu w Berlinie nowa produkcja z gwiazdą niemieckiego kina Julią Jentsch to prześmiewcza historia o trudach i rozczarowaniach związanych z dorosłością.
CZAS TRWANIA: 89 min.
CZAS TRWANIA: 89 min.
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 29
„Pucio kocha zwierzaki” to ekranizacja bestsellerowej serii książek dr Marty Galewskiej-Kustry z ilustracjami Joanny Kłos. Opowieści o Puciu, publikowane przez Wydawnictwo „Nasza Księgarnia”, w lekki, mądry i pełen humoru sposób oswajają tematy bliskie wszystkim przedszkolakom. W animacji ponownie usłyszymy gwiazdorską obsadę dubbingową: m.in. Joannę Pach-Żbikowską, Małgorzatę Sochę i Artura Barcisia, oraz wyjątkową oprawę muzyczną autorstwa Grzegorza Turnaua.
Odcinki, które zobaczymy w trakcie seansów:
● Pucio u weterynarza – reż. Anna Błaszczyk
● Pucio i Malina w przedszkolu – reż. Marta Stróżycka
● Pucio i pojazdy – reż. Marta Stróżycka
● Pucio i kołysanka dla samolotu – reż. Marta Stróżycka
● Pucio tańczy – reż. Anna Błaszczyk
● Pucio sadzi drzewo – reż. Katarzyna Agopsowicz
● Pucio i późny spacer – reż. Dominik Litwiniak
CZAS TRWANIA: 45 min.
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 30
Najnowszy film Asghara Farhadiego jest luźno inspirowany Krótkim filmem o miłości Krzysztofa Kieślowskiego, ale wielbiciele jego twórczości dostrzegą tu także nawiązania do Krótkiego filmu o zabijaniu, Czerwonego, Niebieskiego czy Podwójnego życia Weroniki. Nie mówiąc o tym, że autorem muzyki do Historii równoległych jest Zbigniew Preisner. O ile jednak Kieślowski z Preisnerem oczarowali świecki Zachód duchowością i metafizyką, Farhadi stoi mocno na ziemi. Tym, co interesuje go najbardziej, jest relacja rzeczywistości i fikcji, której status brzmi: „to skomplikowane”.
reżyseria: Asghar Farhadi
aktorzy: Isabelle Huppert, Vincent Cassel, Virginie Efira, Catherine Deneuve, Pierre Niney
Francja/Włochy/Belgia 2026
CZAS TRWANIA: 139 min.
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 31
Kręciołek mieszka pod ziemią na pięknej wyspie Bornholm.
Razem z całą rodziną trolli woli pozostawać pod powierzchnią.
Wszak życie na powierzchni jest pełne niebezpieczeństw.
Pewnego dnia wspaniałą zabawę w loty na grzbietach
nietoperzy przerywa mu głośny grzmot. Kręciołek
postanawia wyjść na powierzchnię i sprawdzić, co takiego
wydarzyło się w świecie ludzi. To będzie początek wspaniałej przygody.
CZAS TRWANIA: 80 min.
CZAS TRWANIA: 80 min.
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 32
Pokazywane w zeszłorocznym konkursie festiwalu w Cannes najnowsze dzieło Richarda Linklatera to energetyczna i błyskotliwa podróż do czasów narodzin francuskiej nowej fali. Reżyser, jeden z najważniejszych twórców amerykańskiego kina niezależnego, składa hołd Godardowi i całemu pokoleniu artystów, którzy odmienili oblicze światowego kina. Nowa fala to film o pasji, wolności twórczej i odwadze marzenia inaczej. Z niezwykłą lekkością i humorem pokazuje artystę w momencie, gdy rodzi się dzieło, a kino staje się przestrzenią buntu i młodzieńczej energii.
CZAS TRWANIA: 105 min.
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 33
Co się stanie, gdy zwykła jedenastolatka zyska niezwykłą moc?
Po tajemniczym ugryzieniu przez świnkę morską Emilia odkrywa, że potrafi przemieniać się w Super Futrzaka – niezwykłą bohaterkę, której misją jest ochrona przyrody. Dzięki magicznemu napojowi odzyskuje siły i staje do walki z zagrożeniami, którym nikt inny nie potrafi sprostać.
Wszystko zmienia się, gdy butelka z cennym eliksirem wpada w niepowołane ręce. Bez źródła swojej mocy Emilia musi zmierzyć się z przeciwnikami, zwątpieniem i własnym strachem. Czy zdoła ocalić to, co kocha, kiedy nie będzie mogła już liczyć na magię?
Pełna humoru, przygód i wzruszeń opowieść o odwadze, przyjaźni i sile, która drzemie w każdym z nas. Bo prawdziwy superbohater nie rodzi się z magicznych mocy – rodzi się z serca.
Familijny | Od lat 7 | 90 min
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 34
Film Pedra Almodóvara, z nagrodzoną za swoją rolę na festiwalu w Wenecji Penélope Cruz, to wyznanie wiary w siłę w kobiet, ich solidarność i odwagę. Czułe, a przy tym żywiołowe; ciepłe, ale niepozbawione dramatycznych zwrotów akcji; pełne nadziei, która przychodzi po bolesnych stratach – „Matki równoległe” portretują życie w jego wszystkich odcieniach. Film został z entuzjazmem przyjęty przez krytykę, która nie szczędzi mu komplementów. Najlepszy Almodóvar od „Wszystko o mojej matce” (Variety), Penélope Cruz w swojej najlepszej roli (Time), Pulsująca emocjami historia (The Wrap), Wielki pean na cześć kobiet (Little White Lies) – piszą zachwyceni recenzenci.
Bohaterki filmu, Janis (Cruz) i Ana (Milena Smit), spotykają się na oddziale położniczym. Ta pierwsza jest dojrzałą kobietą, ta druga ledwie przestała być nastolatką. Obie są singielkami, obie czeka samodzielne macierzyństwo. Janis wie, że sobie poradzi, Ana jest pełna obaw. Wydaje się, że ich ścieżki ledwie się przetną, tymczasem więź, która je połączy, okaże się mocna jak pępowina. Jak to u Almodóvara bywa: zbieg okoliczności może stać się przeznaczeniem, a rodzina z wyboru tą, która zaoferuje bezwarunkową akceptację i miłość.
„Matki równoległe” to nie tylko tragikomiczna, intymna opowieść o bólu i blasku macierzyństwa. To również mocny głos przeciw rodzinnym sekretom i ukrywaniu prawdy o przeszłości. I właśnie kobiety, które tworzą pomost pomiędzy przeszłością i przyszłością, okazują się w filmie Almodóvara bezkompromisowymi rzeczniczkami otwartości przynoszącej ulgę i oczyszczenie.
Bohaterki filmu, Janis (Cruz) i Ana (Milena Smit), spotykają się na oddziale położniczym. Ta pierwsza jest dojrzałą kobietą, ta druga ledwie przestała być nastolatką. Obie są singielkami, obie czeka samodzielne macierzyństwo. Janis wie, że sobie poradzi, Ana jest pełna obaw. Wydaje się, że ich ścieżki ledwie się przetną, tymczasem więź, która je połączy, okaże się mocna jak pępowina. Jak to u Almodóvara bywa: zbieg okoliczności może stać się przeznaczeniem, a rodzina z wyboru tą, która zaoferuje bezwarunkową akceptację i miłość.
„Matki równoległe” to nie tylko tragikomiczna, intymna opowieść o bólu i blasku macierzyństwa. To również mocny głos przeciw rodzinnym sekretom i ukrywaniu prawdy o przeszłości. I właśnie kobiety, które tworzą pomost pomiędzy przeszłością i przyszłością, okazują się w filmie Almodóvara bezkompromisowymi rzeczniczkami otwartości przynoszącej ulgę i oczyszczenie.
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 35
Elektryzujący, nonszalancki i pełen nieposkromionej energii legendarny debiut Jean-Luca Godarda. Film, od którego na dobre zaczęło się współczesne kino. Drobny gangster Michel (Jean-Paul Belmondo) przyjeżdża kradzionym samochodem z Marsylii do Paryża. Tam spotyka się z młodą Amerykanką Patricią (Jean Seberg), która stawia pierwsze kroki jako dziennikarka. Para flirtuje ze sobą i angażuje się w romantyczną grę – czy kryminalne sprawy Michela wpłyną na ich relację?
Zrywając z konwencjami i proponując własną, dynamiczną estetykę, Do utraty tchu utorowało drogę wszystkim późniejszym „nowym falom” oraz połączyło miłość do amerykańskiej kultury z paryską kinofilią i duchem młodości. Trudno przecenić wpływ filmu na kolejne pokolenia twórców: od Nowego Hollywood po zastępy niezależnych reżyserów i reżyserek, dla których brawurowe dzieło Godarda pozostaje niesłabnącym źródłem inspiracji. Kręcone małą ekipą na ulicach Paryża, Do utraty tchu wypromowało też ikoniczny duet: buńczucznego Belmondo oraz nowoczesną, nieprzystępną Seberg. Kiedy myślimy o Francji jako o stolicy kina, przed oczami mamy właśnie kadry z debiutu Godarda. Zafascynowany Do utraty tchu Richard Linklater zrealizował wchodzącą właśnie do polskich kin Nową falę: stylizowaną na przełom lat 50. i 60. opowieść o tym, jak powstawał ten jeden z najsłynniejszych filmów w historii kina.
Ekscytująca zabawa gatunkami, jaką dostajemy w Do utraty tchu, to z jednej strony bunt przeciwko zmurszałemu kinu lat 50., z którym nowofalowcy chcieli się rozprawić, a z drugiej – efekt niezliczonych seansów hollywoodzkich filmów klasy B, jakie pasjami oglądali oni w paryskich kinach. Jest to też buńczuczna deklaracja twórcy, który zdaje się mówić: „Nazywam się Godard i na waszych oczach zmieniam to, co wszyscy kochamy najbardziej: KINO”.
Ponad 60 lat po premierze, Do utraty tchu pozostaje klasykiem gwałtownym, ekscytującym i wciąż atrakcyjnym.
Wersja odrestaurowana 4K w dystrybucji Past Perfect.
Zrywając z konwencjami i proponując własną, dynamiczną estetykę, Do utraty tchu utorowało drogę wszystkim późniejszym „nowym falom” oraz połączyło miłość do amerykańskiej kultury z paryską kinofilią i duchem młodości. Trudno przecenić wpływ filmu na kolejne pokolenia twórców: od Nowego Hollywood po zastępy niezależnych reżyserów i reżyserek, dla których brawurowe dzieło Godarda pozostaje niesłabnącym źródłem inspiracji. Kręcone małą ekipą na ulicach Paryża, Do utraty tchu wypromowało też ikoniczny duet: buńczucznego Belmondo oraz nowoczesną, nieprzystępną Seberg. Kiedy myślimy o Francji jako o stolicy kina, przed oczami mamy właśnie kadry z debiutu Godarda. Zafascynowany Do utraty tchu Richard Linklater zrealizował wchodzącą właśnie do polskich kin Nową falę: stylizowaną na przełom lat 50. i 60. opowieść o tym, jak powstawał ten jeden z najsłynniejszych filmów w historii kina.
Ekscytująca zabawa gatunkami, jaką dostajemy w Do utraty tchu, to z jednej strony bunt przeciwko zmurszałemu kinu lat 50., z którym nowofalowcy chcieli się rozprawić, a z drugiej – efekt niezliczonych seansów hollywoodzkich filmów klasy B, jakie pasjami oglądali oni w paryskich kinach. Jest to też buńczuczna deklaracja twórcy, który zdaje się mówić: „Nazywam się Godard i na waszych oczach zmieniam to, co wszyscy kochamy najbardziej: KINO”.
Ponad 60 lat po premierze, Do utraty tchu pozostaje klasykiem gwałtownym, ekscytującym i wciąż atrakcyjnym.
Wersja odrestaurowana 4K w dystrybucji Past Perfect.
CZAS TRWANIA: 90 min.
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 36
Najnowszy film Asghara Farhadiego jest luźno inspirowany Krótkim filmem o miłości Krzysztofa Kieślowskiego, ale wielbiciele jego twórczości dostrzegą tu także nawiązania do Krótkiego filmu o zabijaniu, Czerwonego, Niebieskiego czy Podwójnego życia Weroniki. Nie mówiąc o tym, że autorem muzyki do Historii równoległych jest Zbigniew Preisner. O ile jednak Kieślowski z Preisnerem oczarowali świecki Zachód duchowością i metafizyką, Farhadi stoi mocno na ziemi. Tym, co interesuje go najbardziej, jest relacja rzeczywistości i fikcji, której status brzmi: „to skomplikowane”.
reżyseria: Asghar Farhadi
aktorzy: Isabelle Huppert, Vincent Cassel, Virginie Efira, Catherine Deneuve, Pierre Niney
Francja/Włochy/Belgia 2026
CZAS TRWANIA: 139 min.
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 37
Nowy film producentów „Wielkiego piękna” i „Młodości”. Barwna, porywająca, wypełniona muzyką opowieść o jednym z najwybitniejszych kompozytorów w historii – Antonio Vivaldim. Wenecja, początek XVIII wieku — miasto kontrastów. Z jednej strony bogactwo, sztuka i swoboda obyczajowa, z drugiej surowe instytucje religijne i wyraźne podziały społeczne. Przebywająca w sierocińcu Ospedale della Pietà nastoletnia utalentowana skrzypaczka Cecilia (Tecla Insolia) trafia pod skrzydła nowego nauczyciela – Antonio Vivaldiego (Michele Riondino). Otoczona jego opieką zaczyna wierzyć, że uda jej się uniknąć zaaranżowanego małżeństwa i zawalczyć o własną drogę. Film dostępny z audiodeskrypcją w aplikacji Kino Dostępne 2.0.
CZAS TRWANIA: 110 min.
CZAS TRWANIA: 110 min.
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 38
Znudzone sobą małżeństwo zaprasza na kolację parę wyzwolonych sąsiadów. Gwiazdorska obsada w błyskotliwie pikantnej komedii o blaskach i cieniach pożycia małżeńskiego. Czy miłość i pożądanie mają swój nieprzekraczalny termin przydatności do spożycia?
Aby małżeńskiemu życiu dodać trochę smaku czasem warto zaprosić sąsiadów. Do stołu i nie tylko. Jak wiadomo niedaleko jest z jadalni do sypialni. Genialne aktorstwo, przezabawne dialogi nierzadko zaprawione nutką goryczy i sporo erotycznego napięcia.
Joe i Angela są małżeństwem z kilkunastoletnim stażem. Z pozoru ich związek wydaje się wręcz wzorcowy: zgodne, spokojne życie w porządnej dzielnicy, udane dziecko, niezły status materialny. Jednak pod powierzchnią kryją się wzajemne pretensje, drobne konflikty, a przede wszystkim nuda i rutyna. Gdy pewnego wieczoru Joe i Angela zapraszają na kolację parę tajemniczych sąsiadów, swobodna i przyjacielska rozmowa zaczyna zmieniać się w pełną dwuznaczności grę. To, co dotąd skrywane, wychodzi na jaw, a niewypowiedziane pragnienia ducha i ciała zaczynają nabierać niebezpiecznie realnych kształtów. Czy obie pary pójdą dziś spać we własnych łóżkach?
reżyseria: Olivia Wilde
aktorzy: Olivia Wilde, Seth Rogen, Penélope Cruz, Edward Norton
USA 2026
CZAS TRWANIA: 107 min.
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 39
Wskutek tajemniczego wydarzenia ulica Dębowa zostaje oddzielona od przedmieść i przeniesiona w nieznane miejsce. Tam, w zupełnie obcej okolicy, rodzina Plattów szybko przekonuje się, że aby przetrwać, musi trzymać się razem.
Reż: David Robert Mitchell Występują: Anne Hathaway, Ewan McGrego
CZAS TRWANIA: 110 min.
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 40
Czuły, skrzący się humorem portret człowieka w walce o marzenia, w którym każdy odnajdzie cząstkę siebie. W pewnym momencie życia wszyscy jesteśmy Arkami.
Nadopiekuńcza mama? Jest. Milczący tata? Też. Kryzys twórczy i stałe uczucie niespełnienia? Są! Arysta Arek Pasożyt naprawdę ma pod górkę. By uwolnić się z sytuacji bez wyjścia, postanawia po raz pierwszy wyjechać w Tatry. Tam trafia na ślad największego obrazu w historii Polski – monumentalnej (115x16m!) Panoramy Tatr, zaginionej ponad 130 lat temu. Postanawia ją odnaleźć. Arek pokonuje rowerem urokliwe wsie Podhala i wspina się na tatrzańskie granie. W czasie poszukiwań walczy z sierpniowym słońcem, kruchą ludzką pamięcią i wadliwą kuchenką turystyczną. Odkrywając kolejne fragmenty układanki, dowiaduje się coraz więcej o historii sprzed lat, ale i o sobie samym. Czy z mamą nadzorującą każdy jego krok, niezrozumieniem ze strony świata sztuki i własnymi wątpliwościami Arek ma szansę dokonać czegoś równie wielkiego, jak poszukiwany przez niego obraz?
reż. Mikołaj Janik
Polska 2026, 72'
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 41
Najlepsze z Najgorszych z opus magnum kina klasy B po polsku!
„The Room” z polskim dubbingiem – jeszcze wyższy poziom absurdu
„The Room” z polskim dubbingiem – jeszcze wyższy poziom absurdu
Historia kryształowo dobrego, przystojnego, zabawnego i uczciwego bankiera, który zostaje zdradzony przez narzeczoną i przyjaciela. Amerykańskie media pisały, że to „Obywatel Kane kina klasy B”. I rzeczywiście, „The Room” to jeden z absolutnie najgorszych filmów świata, antyarcydzieło, wzorcowy, wielopoziomowy przykład tego jak nie robić filmów. Jednocześnie to film kultowy film i tak zły, że aż dobry.
Tommy Wiseau jest odtwórcą jednej z głównych ról, reżyserem, scenarzystą i producentem filmu. Dla „The Room” był także założycielem firmy produkcyjnej, prezesem, dyrektorem wykonawczym, działem prawniczym, menedżerem marki i wszystkim kogo tylko można sobie wyobrazić.
Tommy Wiseau, który przez lata ukrywał swoje pochodzenie, choć wszystko wskazuje na to, że naprawdę nazywa się Tomasz Wieczorkiewicz i pochodzi z Poznania, bardzo chciał być pionierem i stworzyć coś wyjątkowego, nie posiadał jednak żadnej wiedzy o kręceniu filmów, nie był też szczególnie otwarty na uwagi bardziej doświadczonych osób. Między innymi z tego powodu „The Room” to pierwszy i prawdopodobnie wciąż jedyny film na świecie, który nakręcono jednocześnie na taśmie 35 mm oraz kamerze HD, co wymagało dwóch różnych oświetleń na planie i dwóch ekip. Budżet filmu to 6 mln dolarów czego jednak zupełnie nie widać. Początkowo „The Room” zaliczył siermiężną klapę frekwencyjną, ale z czasem wśród fanów kina klasy B i entuzjastów „guilty pleasure” stał się kultowy, obecnie znany jest na całym świecie.
DUBBINGUJĄCY: Krzysztof Petkowicz, Diana Grzeszek, Michał Jedut, Monika Rulka, Adrianna Tylus, Paweł Banaszczyk, Michał Tokarski, Monika Stolat, Karol Jakóbczyk, Kaja Karakuła, Mateusz Powszedniak i Bartosz Gomoła.
PRODUKCJA DUBBINGU: Najlepsze z Najgorszych.
reżyseria: Tommy Wiseau
występują: Tommy Wiseau, Dan Janjigian, Greg Sestero, Carolyn Minnott, Philip Haldiman
dramat / USA / 2003 1 h 39 min
PRODUKCJA DUBBINGU: Najlepsze z Najgorszych.
reżyseria: Tommy Wiseau
występują: Tommy Wiseau, Dan Janjigian, Greg Sestero, Carolyn Minnott, Philip Haldiman
dramat / USA / 2003 1 h 39 min
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 42
Z pozoru stateczne i szczęśliwe małżeństwo – Julia (Julia Jentsch) i Tobias (Felix Kramer), właśnie doświadcza tego na własnej skórze… Ich nastoletnia córka Marielle (Laeni Geiseler), po tym, jak została uderzona w głowę podczas szkolnej przepychanki, ku swojemu zaskoczeniu posiadła niezwykły i niekomfortowy dar – zaczyna słyszeć wszystkie wypowiedzi swoich rodziców, nawet te, przy których nie jest obecna. Zarówno Tobias, jak i Julia mają coś za uszami, ukrywając swoje prawdziwe uczucia za fasadą stabilnego życia w wyższej klasie średniej. Nadszedł jednak czas, żeby w końcu skonfrontować się z prawdą.
Nagrodzona na festiwalu w Berlinie nowa produkcja z gwiazdą niemieckiego kina Julią Jentsch to prześmiewcza historia o trudach i rozczarowaniach związanych z dorosłością.
CZAS TRWANIA: 89 min.
CZAS TRWANIA: 89 min.
Mała dostępność biletów
Wydarzenie numer 43
Pedro Almodóvar powraca w szczytowej formie z jednym ze swoich najbardziej osobistych filmów. W „Gorzkich świętach” - jego pierwszej od 5 lat hiszpańskojęzycznej produkcji - jest wszystko, za co widzowie kochają jego kino: namiętność, intensywne kolory, przewrotny humor i pełnokrwiste postaci, które wymykają się prostym schematom. Na ekranie pojawiają się aktorzy i aktorki znani z wcześniejszych filmów reżysera: Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Victoria Luengo, Aitana Sánchez-Gijón, Milena Smit oraz jedna z najważniejszych muz Almodóvara – Rossy de Palma.
Bohaterką filmu jest czterdziestoletnia Elza (Bárbara Lennie), która po śmierci matki rzuca się w wir pracy, nie pozwalając sobie na żałobę. Dopiero atak paniki zmusza ją do zatrzymania się i wyruszenia w podróż, która stanie się konfrontacją z przeszłością, utraconymi relacjami i niespełnionymi pragnieniami. Z przypadkowych spotkań, emocjonalnych zwrotów i splatających się życiorysów Almodóvar tka opowieść o tym, jak pamięć, fikcja i pragnienie nieustannie przepisują nasze życie.
„Gorzkie święta” to szczególny prezent dla tych, którzy dorastali z kinem hiszpańskiego mistrza – od „Kobiet na skraju załamania nerwowego”, przez „Wszystko o mojej matce” i „Porozmawiaj z nią”, po „Volver”, „Przerwane objęcia” i „Ból i blask”. To także film, który idzie o krok dalej: jeszcze mocniej pokazuje, że każdy z nas nie tylko przeżywa własną historię, ale też bez końca ją sobie opowiada. Almodóvar składa tu poruszające wyznanie wiary w siłę kina, pamięci i narracji.
Bohaterką filmu jest czterdziestoletnia Elza (Bárbara Lennie), która po śmierci matki rzuca się w wir pracy, nie pozwalając sobie na żałobę. Dopiero atak paniki zmusza ją do zatrzymania się i wyruszenia w podróż, która stanie się konfrontacją z przeszłością, utraconymi relacjami i niespełnionymi pragnieniami. Z przypadkowych spotkań, emocjonalnych zwrotów i splatających się życiorysów Almodóvar tka opowieść o tym, jak pamięć, fikcja i pragnienie nieustannie przepisują nasze życie.
„Gorzkie święta” to szczególny prezent dla tych, którzy dorastali z kinem hiszpańskiego mistrza – od „Kobiet na skraju załamania nerwowego”, przez „Wszystko o mojej matce” i „Porozmawiaj z nią”, po „Volver”, „Przerwane objęcia” i „Ból i blask”. To także film, który idzie o krok dalej: jeszcze mocniej pokazuje, że każdy z nas nie tylko przeżywa własną historię, ale też bez końca ją sobie opowiada. Almodóvar składa tu poruszające wyznanie wiary w siłę kina, pamięci i narracji.
reżyseria: Pedro Almodóvar
aktorzy: Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón, Victoria Luengo, Patrick Criado, Milena Smit, Quim Gutiérrez, Rossy de Palma, Carmen Machi
Hiszpania 2026,111'
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 44
W „Prawie pożądania”, uważanym za wzór gejowskiego melodramatu, Almodóvar (główna rola w filmie to alter ego reżysera) pokazuje homoseksualizm i transseksualizm w sposób naturalny i bez stygmatyzacji, przełamując tabu, jakim były one w Hiszpanii lat 80. XX wieku, kiedy homoseksualizm był wyśmiewany, a w najlepszym razie pomijany, zaś osoby transseksualne były często przedstawiane jako chore i ułomne. Jest ono kluczowe dla zrozumienia ewolucji reżysera, który często wspominał, że „Prawo pożądania" to jeden z jego najbardziej osobistych filmów i jeden z tych, z których jest najbardziej dumny. Pedro i jego brat, Agustin Almodovar, grają epizody w "Prawie pożądania", a oprócz tego reżyser dubbinguje jedną z postaci i śpiewa, w duecie z Fabio McNamarą, „Satanasę” - kultową piosenkę madryckiej movidy.
Do historii kina przeszła nocna scena, w której Carmen Maura, w upalną madrycką noc, prosi zamiatacza ulic, żeby oblał ją wodą. Scena powstała ad hoc. „Złapali faceta, który podlewał rośliny, ogrodnika z ratusza, kazali mu podłączyć wąż i lać na mnie wodę. Zrobił to, a ja upadłem na ziemię, bo nie możecie sobie wyobrazić siły tego węża. I jak wspaniała wyszła potem ta scena. To właśnie jest magia kina, wszystko jest kłamstwem, ale potem wszystko jest prawdą. Innego dnia przyjechaliśmy na plan, a Pedrowi w ogóle nie podobała się scenografia, więc był bardzo smutny. Poszłam zrobić sobie makijaż, a on wrócił z dwiema siekierami i zapytał mnie: „Którą wolisz?” Wzięłam obie siekiery i powiedziałam: „Tę,”. A on na to: „No to ją weź, bo to wszystko zniszczysz”. I wymyślił, że rozwalę dekoracje, rozmawiając przez telefon. Wtedy wszystko wydawało mi się normalne. To było wspaniałe. Pedro miał sposób, w jaki rozumiał swoje historie i dzięki temu wszystko do siebie pasowało” – wspomina Carmen Maura.
aktorzy. Eusebio Poncela, Carmen Maura, Antonio Banderas, Miguel Molina, Fernando Guillén, Rossy de Palma, Nacho Martínez, Helga Liné, Agustín Almodóvar, Manuela Velasco, Bibiana Fernández,
Hiszpania 1987, 100'
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 45
Film powstał podczas niezwykłej wystawy, dzięki której w jednym miejscu, rodzinnym mieście Boscha w Holandii, zgromadzono praktycznie wszystkie jego najważniejsze obrazy i rysunki, rozsiane na co dzień na całym świecie. Tę olbrzymią ekspozycję odwiedziło prawie pół miliona zwiedzających dziwiąc się ekscentrycznym wizjom Boscha.
Film Grabsky’ego zadaje pytanie kim był Hieronymus Bosch? Dlaczego jego dziwne i fantastyczne obrazy stały się tak popularne? Jak twórczość tego niderlandzkiego malarza łączy sztukę średniowieczną i świat renesansowy? Skąd czerpał inspirację, skąd mogły się wziąć jego niekonwencjonalne i ponadczasowe, pełne skomplikowanej symboliki, wizje?
Film Grabsky’ego zadaje pytanie kim był Hieronymus Bosch? Dlaczego jego dziwne i fantastyczne obrazy stały się tak popularne? Jak twórczość tego niderlandzkiego malarza łączy sztukę średniowieczną i świat renesansowy? Skąd czerpał inspirację, skąd mogły się wziąć jego niekonwencjonalne i ponadczasowe, pełne skomplikowanej symboliki, wizje?
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 46
To jeden z najsłynniejszych hiszpańskich filmów. Jane Fonda była zafascynowana przedstawioną w nim historią i kupiła prawa do zrealizowania amerykańskiej wersji, jednak ta nigdy nie powstała. Powstał zaś musical na Broadwayu, w którym wystąpiły między innymi Sherie Rene Scott i Patti LuPone. Film zrywa z tradycyjnym wizerunkiem Hiszpanii, ukazując nowoczesne, miejskie, wolne i demokratyczne społeczeństwo, a bohaterkami są niezależne, silne kobiety. W czasach dyktatury Franco kobiety nie miały wielu praw i oczekiwano od nich, że będą zajmować się domem i dziećmi oraz „uszczęśliwianiem męża”.
Jedenaście przykazań dobrej żony zgromadzono w poradniku z 1953 roku, według którego „dobra żona zawsze powinna wiedzieć, gdzie jest jej miejsce” i w szczególności powinna „zrozumieć męża, jeśli ten nie wróci na noc”. W latach 80. XX wieku nastąpił wielki ruch feministyczny, w którym kobiety uzyskały więcej praw i wolności: wolność seksualną, wolność słowa, dostęp do edukacji i prawo do pracy. Film Almodovara podkreśla te zmiany. Demistyfikuje uprzedmiotowienie kobiet i przedstawia je jako prawniczki, feministki, a nawet morderczynie. To sposób na powiedzenie, że kobiety mogą zrobić tyle samo, (jeśli nie więcej) co mężczyźni. Reżyser doskonale znał silne kobiety. Jego ojciec był poganiaczem mułów, spędzał dużo czasu poza domem, więc Almodóvar dorastał w otoczeniu kobiet. I pewnie to doświadczenie oraz silna więź z matką, były powodem, dla którego zdecydował się na obsadzenie w swoich filmach niezależnych, nietuzinkowych bohaterek.
aktorzy: Carmen Maura, Antonio Banderas, Julieta Serrano
Hiszpania 1988,90'
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 47
„Obcy” w reżyserii François Ozona to nowa ekranizacja jednej z najwybitniejszych francuskich powieści XX wieku autorstwa Alberta Camusa. Prezentowana w Konkursie Głównym festiwalu w Wenecji to wciąż niezwykle aktualna opowieść o poszukiwaniu sensu w świecie, w którym wszelki sens został zagubiony.
„Obcy” jest historią Meursaulta, młodego mężczyzny, skromnego urzędnika, którego codziennej rutyny nie przerywa nawet śmierć matki. Wszystko zmienia się pewnego gorącego dnia, gdy na plaży dochodzi do tragicznego zdarzenia z jego udziałem. Oszczędne dialogi i piękne czarno-białe zdjęcia, będące hołdem dla klasycznego kina, budują wyjątkową atmosferę filmu.
Reżyseria: François Ozon
Występują: Benjamin Voisin, Rebecca Marder, Pierre Lottin, Denis Lavant, Swann Arlaud
Francja 2025, 122'
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 48
połączenie erotycznego thrillera z melodramatem był pierwszym dziełem Pedra Almodovara, które trafiło do kin w Stanach Zjednoczonych. Zafascynowany reżyserem Quentin Tarantino uważa, że pierwsze minuty otwierające film to „najdziksza scena w historii kina”. Mówi się, że marzeniem Almodovara było obsadzenie Marcella Mastroianniego w roli emerytowanego toreadora. Ostatecznie znakomicie zagrał go Nacho Martínez. Partneruje mu Assumpta Serna. „Większość facetów pracujących na planie była gejami, jak Pedro, czy mój partner Nacho Martínez, a także aktor, z którym poszłam do łóżka w pierwszej mojej scenie, Jesús Ruyman.” – wspomina aktorka. Mimo scen seksu i nagości, w których brała udział, co zniechęciło inne aktorki do przyjęcia roli, czuła się „tak komfortowo, jak to tylko możliwe”.
Był to drugi film, w którym Antonio Banderas współpracował z Almodovarem i za rolę otrzymał nominację do nagrody Goya. W jednym z epizodów wystąpił sam reżyser. „Matador” jest jego pierwszym dojrzałym dziełem po serii nieokiełznanych, transgresyjnych komedii, przy jednoczesnym zachowaniu prowokacyjnego stylu. Film zgłębia złożoną relację między namiętnością, seksem i śmiercią, która ma być zwieńczeniem przyjemności erotycznej, a opowiedziana w nim historia jest romantyczna i amoralna, intymna i perwersyjna. Znajdziemy w nim motywy powtarzające się w twórczości reżysera: obsesję, czarny humor oraz estetykę intensywnych kolorów – róż, żółć i czerwień kojarzone ze światem walk byków i słynne zdania, jak to: „Kobiety powinny być zabijane jak byki, osaczane, zanim zdadzą sobie z tego sprawę”.
aktorzy: Assumpta Serna, Antonio Banderas, Nacho Martínez, Eva Cobo, Julieta Serrano, Chus Lampreave, Carmen Maura, Eusebio Poncela, Bibi Andersen, Luis Ciges, Verónica Forqué
Hiszpania 1986
CZAS TRWANIA: 110 min.
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 49
Głównym bohaterem Bólu i blasku jest reżyser filmowy Salvador Mallo (nagrodzony Złotą Palmą w Cannes Antonio Banderas), pogrążony w kryzysie "mistrz uwielbiany przez publiczność". Salvador zrywa kolejne więzi ze światem i zwraca się ku przeszłości - czasom dzieciństwa, pierwszej miłości i momentowi, w którym kino stało się dla niego sensem życia. Ból i blask, choć zaskakująco kameralny i wyciszony, jednocześnie zawiera w sobie wszystko to, za co kochamy Almodóvara: zachwycającą wrażliwość wizualną i zgrabnie połączenie subtelności z ekscentrycznym poczuciem humoru.
obsada: Antonio Banderas, Penélope Cruz, Asier Etxeandia, Leonardo Sbaraglia
Hiszpania 2019, 113'
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 50
Wciągający dramat pokazujący niezwykłe napięcie jednego z kluczowych momentów II wojny światowej.
Trzymający w napięciu, oparty na prawdziwych, nieopowiedzianych dotąd, wydarzeniach film pokazujący jak jeden człowiek może wpłynąć na bieg historii. „Niebo nad Normandią” to opowieść o odpowiedzialności, samotności decyzji i o tym, że największe bitwy toczą się w naszym umyśle.
W rolach głównych: mistrz złożonych ról, charyzmatyczny Andrew Scott (Dobrzy nieznajomi), zdobywca Oscara Brendan Fraser (Wieloryb), laureat nagrody Emmy oraz Złotego Globu Damian Lewis (Homeland) oraz wszechstronna Kerry Condon (F1). Za kamerą stanął Anthony Maras, reżyser przejmującego thrillera, opartego na faktach Hotelu Mumbai.
72 godziny przed lądowaniem w Normandii, losy świata mają zależeć od… pogody. Wojna to nie tylko bitwy, to w szczególności strategie i decyzje, których skutki odczuć mogą miliony. Pracujący dla brytyjskiej armii meteorolog James Stagg (Andrew Scott) musi podjąć najważniejszą decyzję w swojej karierze – prognoza, którą przedstawi, może przesądzić o sukcesie lub klęsce największej operacji wojskowej w historii. Zamknięty w atmosferze nieufności i presji ze strony najwyższych dowódców, Stagg toczy psychologiczną walkę z czasem, wspierany jedynie przez kapitan Kay Summersby (Kerry Condon). Nad wszystkim czuwa generał Dwight D. Eisenhower (Brendan Fraser), który musi zdecydować czy ruszyć z inwazją, czy ją opóźnić – ryzykując, że Niemcy odkryją plany aliantów.
reżyseria: Anthony Maras
aktorzy: Andrew Scott, Brendan Fraser, Kerry Condon, Damian Lewis, Chris Messina
Wielka Brytania 2026, 100'
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 51
Wciągający dramat pokazujący niezwykłe napięcie jednego z kluczowych momentów II wojny światowej.
Trzymający w napięciu, oparty na prawdziwych, nieopowiedzianych dotąd, wydarzeniach film pokazujący jak jeden człowiek może wpłynąć na bieg historii. „Niebo nad Normandią” to opowieść o odpowiedzialności, samotności decyzji i o tym, że największe bitwy toczą się w naszym umyśle.
W rolach głównych: mistrz złożonych ról, charyzmatyczny Andrew Scott (Dobrzy nieznajomi), zdobywca Oscara Brendan Fraser (Wieloryb), laureat nagrody Emmy oraz Złotego Globu Damian Lewis (Homeland) oraz wszechstronna Kerry Condon (F1). Za kamerą stanął Anthony Maras, reżyser przejmującego thrillera, opartego na faktach Hotelu Mumbai.
72 godziny przed lądowaniem w Normandii, losy świata mają zależeć od… pogody. Wojna to nie tylko bitwy, to w szczególności strategie i decyzje, których skutki odczuć mogą miliony. Pracujący dla brytyjskiej armii meteorolog James Stagg (Andrew Scott) musi podjąć najważniejszą decyzję w swojej karierze – prognoza, którą przedstawi, może przesądzić o sukcesie lub klęsce największej operacji wojskowej w historii. Zamknięty w atmosferze nieufności i presji ze strony najwyższych dowódców, Stagg toczy psychologiczną walkę z czasem, wspierany jedynie przez kapitan Kay Summersby (Kerry Condon). Nad wszystkim czuwa generał Dwight D. Eisenhower (Brendan Fraser), który musi zdecydować czy ruszyć z inwazją, czy ją opóźnić – ryzykując, że Niemcy odkryją plany aliantów.
reżyseria: Anthony Maras
aktorzy: Andrew Scott, Brendan Fraser, Kerry Condon, Damian Lewis, Chris Messina
Wielka Brytania 2026, 100'
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 52
Na dnie jeziora jest dziura. To z niej pochodzą filmy.
Młoda, utalentowana reżyserka Kris (Hannah Einbinder) dostaje od studia filmowego szansę życia – ma nakręcić remake kultowej serii horrorów „Camp Miasma”, która cieszyła się ogromną popularnością w latach osiemdziesiątych i dziewięćdziesiątych. Aby znaleźć inspirację, udaje się na spotkanie z Billy (Gillian Anderson), która grała główną rolę w pierwowzorze projektu. Wizyta u ekscentrycznej aktorki szybko przeradza się w coś więcej niż zwykły wywiad.
„Miłość, śmierć i dojrzewanie w Camp Miasma” zadebiutowała na festiwalu w Cannes, gdzie szturmem zdobyła serca krytyków i widzów – a także prestiżową nominację w sekcji Un Certain Regard. Najnowszy film Jane Shoenbrun (twórcy docenianego „W blasku ekranu”) ma obecnie 100% pozytywnych recenzji na Rotten Tomatoes, a widzowie wychodzą z seansów zachwyceni.
Choć film Shoenbrun opowiada o powstawaniu fikcyjnej serii horrorów, sam w sobie horrorem nie jest, a zaledwie czerpie z jego estetyki. To przepiękna pod względem wizualnym kinofilska uczta opowiadająca przede wszystkim o bezgranicznej miłości do kina. I o tym, jak ta miłość zmienia nasze życie.
W centrum tej opowieści stoją dwie aktorki reprezentujące dwa różne pokolenia. Legendarna Gillian Anderson wciela się w rolę ekscentrycznej diwy, a znana z serialu „Hacks” Hannah Einbinder w niepewną swojej pozycji, ale utalentowaną reżyserkę. Razem tworzą najbardziej elektryzujący ekranowy duet tego roku.
Młoda, utalentowana reżyserka Kris (Hannah Einbinder) dostaje od studia filmowego szansę życia – ma nakręcić remake kultowej serii horrorów „Camp Miasma”, która cieszyła się ogromną popularnością w latach osiemdziesiątych i dziewięćdziesiątych. Aby znaleźć inspirację, udaje się na spotkanie z Billy (Gillian Anderson), która grała główną rolę w pierwowzorze projektu. Wizyta u ekscentrycznej aktorki szybko przeradza się w coś więcej niż zwykły wywiad.
„Miłość, śmierć i dojrzewanie w Camp Miasma” zadebiutowała na festiwalu w Cannes, gdzie szturmem zdobyła serca krytyków i widzów – a także prestiżową nominację w sekcji Un Certain Regard. Najnowszy film Jane Shoenbrun (twórcy docenianego „W blasku ekranu”) ma obecnie 100% pozytywnych recenzji na Rotten Tomatoes, a widzowie wychodzą z seansów zachwyceni.
Choć film Shoenbrun opowiada o powstawaniu fikcyjnej serii horrorów, sam w sobie horrorem nie jest, a zaledwie czerpie z jego estetyki. To przepiękna pod względem wizualnym kinofilska uczta opowiadająca przede wszystkim o bezgranicznej miłości do kina. I o tym, jak ta miłość zmienia nasze życie.
W centrum tej opowieści stoją dwie aktorki reprezentujące dwa różne pokolenia. Legendarna Gillian Anderson wciela się w rolę ekscentrycznej diwy, a znana z serialu „Hacks” Hannah Einbinder w niepewną swojej pozycji, ale utalentowaną reżyserkę. Razem tworzą najbardziej elektryzujący ekranowy duet tego roku.
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 53
wersja odrestaurowana 4K z oryginalnym polskim dubbingiem
„Jak to jest być skrybą, dobrze?” To pytanie fani "Asterixa i Obelixa: Misji Kleopatry" zadają sobie gdzieś tak od starożytności. Piramidalnie śmieszna komedia powraca w nowej wersji odrestaurowanej 4K z oryginalnym, kultowym polskim dubbingiem! Najbardziej lubiana przez publiczność część cyklu to błyskotliwa adaptacja komiksów René Goscinnego i Alberta Uderzo o przygodach nieustraszonych Galów.
„Jak to jest być skrybą, dobrze?” To pytanie fani "Asterixa i Obelixa: Misji Kleopatry" zadają sobie gdzieś tak od starożytności. Piramidalnie śmieszna komedia powraca w nowej wersji odrestaurowanej 4K z oryginalnym, kultowym polskim dubbingiem! Najbardziej lubiana przez publiczność część cyklu to błyskotliwa adaptacja komiksów René Goscinnego i Alberta Uderzo o przygodach nieustraszonych Galów.
Starożytna Aleksandria. Kleopatra (Monica Bellucci) zakłada się z Juliuszem Cezarem, że Egipcjanie w trzy miesiące wybudują mu wielki pałac. Architektem powołanym do tego niemożliwego zadania jest niepozorny Numernabis (Jamel Debbouze) – jeśli zawiedzie, stanie się pożywką dla krokodyli. Pomoc dla budowniczych może nadejść tylko z jednej strony: od mieszającego magiczną miksturę Panoramiksa oraz jego druhów, Asteriksa (Christian Clavier) i Obeliksa (Gérard Depardieu). Czy wspólnie wygrają oni z czasem, złośliwymi przeciwnikami i dumnymi Rzymianami?
Szalona komedia Alaina Chabata ma grono wiernych wielbicieli na całym świecie, ale szczególnie dobrze zadomowiła się w Polsce. Spektakularne tłumaczenie dialogów autorstwa Bartosza Wierzbięty oraz genialne głosy polskich aktorów (m.in. Cezary Pazura, Wiktor Zborowski, Mieczysław Morański, Magdalena Wójcik) sprawiły, że Asterix i Obelix: Misja Kleopatra to film-fenomen, chyba najbardziej dowcipna rozrywka wszech czasów oraz dzieło-mem, do którego nawiązania nie mają końca. Od „Widać mnie, nie widać mnie” do „A rodzina zdrowa?” – wszyscy rozmawiamy dziś dialogami z Misji Kleopatry.
Zapraszamy do kin na wakacje all inclusive w starożytnym Egipcie: dla całej rodziny!
Szalona komedia Alaina Chabata ma grono wiernych wielbicieli na całym świecie, ale szczególnie dobrze zadomowiła się w Polsce. Spektakularne tłumaczenie dialogów autorstwa Bartosza Wierzbięty oraz genialne głosy polskich aktorów (m.in. Cezary Pazura, Wiktor Zborowski, Mieczysław Morański, Magdalena Wójcik) sprawiły, że Asterix i Obelix: Misja Kleopatra to film-fenomen, chyba najbardziej dowcipna rozrywka wszech czasów oraz dzieło-mem, do którego nawiązania nie mają końca. Od „Widać mnie, nie widać mnie” do „A rodzina zdrowa?” – wszyscy rozmawiamy dziś dialogami z Misji Kleopatry.
Zapraszamy do kin na wakacje all inclusive w starożytnym Egipcie: dla całej rodziny!
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 54
wersja odrestaurowana 4K z oryginalnym polskim dubbingiem
„Jak to jest być skrybą, dobrze?” To pytanie fani "Asterixa i Obelixa: Misji Kleopatry" zadają sobie gdzieś tak od starożytności. Piramidalnie śmieszna komedia powraca w nowej wersji odrestaurowanej 4K z oryginalnym, kultowym polskim dubbingiem! Najbardziej lubiana przez publiczność część cyklu to błyskotliwa adaptacja komiksów René Goscinnego i Alberta Uderzo o przygodach nieustraszonych Galów.
„Jak to jest być skrybą, dobrze?” To pytanie fani "Asterixa i Obelixa: Misji Kleopatry" zadają sobie gdzieś tak od starożytności. Piramidalnie śmieszna komedia powraca w nowej wersji odrestaurowanej 4K z oryginalnym, kultowym polskim dubbingiem! Najbardziej lubiana przez publiczność część cyklu to błyskotliwa adaptacja komiksów René Goscinnego i Alberta Uderzo o przygodach nieustraszonych Galów.
Starożytna Aleksandria. Kleopatra (Monica Bellucci) zakłada się z Juliuszem Cezarem, że Egipcjanie w trzy miesiące wybudują mu wielki pałac. Architektem powołanym do tego niemożliwego zadania jest niepozorny Numernabis (Jamel Debbouze) – jeśli zawiedzie, stanie się pożywką dla krokodyli. Pomoc dla budowniczych może nadejść tylko z jednej strony: od mieszającego magiczną miksturę Panoramiksa oraz jego druhów, Asteriksa (Christian Clavier) i Obeliksa (Gérard Depardieu). Czy wspólnie wygrają oni z czasem, złośliwymi przeciwnikami i dumnymi Rzymianami?
Szalona komedia Alaina Chabata ma grono wiernych wielbicieli na całym świecie, ale szczególnie dobrze zadomowiła się w Polsce. Spektakularne tłumaczenie dialogów autorstwa Bartosza Wierzbięty oraz genialne głosy polskich aktorów (m.in. Cezary Pazura, Wiktor Zborowski, Mieczysław Morański, Magdalena Wójcik) sprawiły, że Asterix i Obelix: Misja Kleopatra to film-fenomen, chyba najbardziej dowcipna rozrywka wszech czasów oraz dzieło-mem, do którego nawiązania nie mają końca. Od „Widać mnie, nie widać mnie” do „A rodzina zdrowa?” – wszyscy rozmawiamy dziś dialogami z Misji Kleopatry.
Zapraszamy do kin na wakacje all inclusive w starożytnym Egipcie: dla całej rodziny!
Szalona komedia Alaina Chabata ma grono wiernych wielbicieli na całym świecie, ale szczególnie dobrze zadomowiła się w Polsce. Spektakularne tłumaczenie dialogów autorstwa Bartosza Wierzbięty oraz genialne głosy polskich aktorów (m.in. Cezary Pazura, Wiktor Zborowski, Mieczysław Morański, Magdalena Wójcik) sprawiły, że Asterix i Obelix: Misja Kleopatra to film-fenomen, chyba najbardziej dowcipna rozrywka wszech czasów oraz dzieło-mem, do którego nawiązania nie mają końca. Od „Widać mnie, nie widać mnie” do „A rodzina zdrowa?” – wszyscy rozmawiamy dziś dialogami z Misji Kleopatry.
Zapraszamy do kin na wakacje all inclusive w starożytnym Egipcie: dla całej rodziny!
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 55
Główną bohaterką nowego filmu węgierskiego reżysera Györgya Pálfiego jest tytułowa kura. Pozornie bezbronne zwierzę ucieka z przemysłowej fermy drobiu w poszukiwaniu bezpiecznego miejsca, by wychować swoje pisklęta.
Trafia do greckiej nadmorskiej wioski, gdzie schwytana zostaje przez właściciela podupadłej restauracji i siłą rzeczy „wchodzi” do ludzkiego świata. Jest uważną obserwatorką zupełnie obcej dla niej rzeczywistości. Staje się też niemym świadkiem ludzkich dramatów, związanych z kryzysem migracyjnym, rodzinnymi konfliktami czy chciwością.
W rolę głównej bohaterki wcieliło się osiem prawdziwych węgierskich kur: Eszti, Szandi, Feri, Enci, Eti, Enikő, Nóra i Anett.
Przyjmując nieoczywistą perspektywę, Pálfi opowiada o uniwersalnych wartościach – wolności, bezpieczeństwie, macierzyństwie – jakich poszukują jak widać nie tylko ludzie. Węgierski reżyser odważnie łączy filmowe gatunki, tworząc historię, która z jednej strony może nas bawić, a z drugiej jest prawdziwie poruszająca.
Trafia do greckiej nadmorskiej wioski, gdzie schwytana zostaje przez właściciela podupadłej restauracji i siłą rzeczy „wchodzi” do ludzkiego świata. Jest uważną obserwatorką zupełnie obcej dla niej rzeczywistości. Staje się też niemym świadkiem ludzkich dramatów, związanych z kryzysem migracyjnym, rodzinnymi konfliktami czy chciwością.
W rolę głównej bohaterki wcieliło się osiem prawdziwych węgierskich kur: Eszti, Szandi, Feri, Enci, Eti, Enikő, Nóra i Anett.
Przyjmując nieoczywistą perspektywę, Pálfi opowiada o uniwersalnych wartościach – wolności, bezpieczeństwie, macierzyństwie – jakich poszukują jak widać nie tylko ludzie. Węgierski reżyser odważnie łączy filmowe gatunki, tworząc historię, która z jednej strony może nas bawić, a z drugiej jest prawdziwie poruszająca.
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 56
Główną bohaterką nowego filmu węgierskiego reżysera Györgya Pálfiego jest tytułowa kura. Pozornie bezbronne zwierzę ucieka z przemysłowej fermy drobiu w poszukiwaniu bezpiecznego miejsca, by wychować swoje pisklęta.
Trafia do greckiej nadmorskiej wioski, gdzie schwytana zostaje przez właściciela podupadłej restauracji i siłą rzeczy „wchodzi” do ludzkiego świata. Jest uważną obserwatorką zupełnie obcej dla niej rzeczywistości. Staje się też niemym świadkiem ludzkich dramatów, związanych z kryzysem migracyjnym, rodzinnymi konfliktami czy chciwością.
W rolę głównej bohaterki wcieliło się osiem prawdziwych węgierskich kur: Eszti, Szandi, Feri, Enci, Eti, Enikő, Nóra i Anett.
Przyjmując nieoczywistą perspektywę, Pálfi opowiada o uniwersalnych wartościach – wolności, bezpieczeństwie, macierzyństwie – jakich poszukują jak widać nie tylko ludzie. Węgierski reżyser odważnie łączy filmowe gatunki, tworząc historię, która z jednej strony może nas bawić, a z drugiej jest prawdziwie poruszająca.
Trafia do greckiej nadmorskiej wioski, gdzie schwytana zostaje przez właściciela podupadłej restauracji i siłą rzeczy „wchodzi” do ludzkiego świata. Jest uważną obserwatorką zupełnie obcej dla niej rzeczywistości. Staje się też niemym świadkiem ludzkich dramatów, związanych z kryzysem migracyjnym, rodzinnymi konfliktami czy chciwością.
W rolę głównej bohaterki wcieliło się osiem prawdziwych węgierskich kur: Eszti, Szandi, Feri, Enci, Eti, Enikő, Nóra i Anett.
Przyjmując nieoczywistą perspektywę, Pálfi opowiada o uniwersalnych wartościach – wolności, bezpieczeństwie, macierzyństwie – jakich poszukują jak widać nie tylko ludzie. Węgierski reżyser odważnie łączy filmowe gatunki, tworząc historię, która z jednej strony może nas bawić, a z drugiej jest prawdziwie poruszająca.
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 57
ATAK POTWORKÓW
Krwiożercze pacynki z wielkim apetytem
Rok 1920. Dziewięcioro rozbitków dociera na pozornie bezludną wyspę, licząc na ratunek i możliwość uzupełnienia zapasów. Szybko okazuje się jednak, że jedna z miejscowych sadzawek jest wypełniona kwasem, a las zamieszkuje plemię malutkich, czerwonych stworzeń przypominających wściekłe pacynki. Potworki są głodne, rozbitkowie wyjątkowo bezradni, a wyspa zdecydowanie nie jest przygotowana na przyjmowanie gości.
„Atak potworków” to niskobudżetowy horror, w którym klasyczna opowieść o rozbitkach zamienia się w krwawy teatr kukiełkowy o atmosferze starej, lekko przeklętej kasety VHS. Bohaterowie podejmują fatalne decyzje, wpadają w panikę z imponującą regularnością, a ich drewniane aktorstwo nadaje każdej scenie dodatkową warstwę niezamierzonego humoru. Absurdalne ataki potworków, prymitywne efekty gore i syntezatorowa muzyka tworzą widowisko równie dziwaczne, co ujmujące. Tytułowe stworzenia są śmieszne, urocze i zaskakująco brutalne, a śmiertelna powaga całej obsady sprawia, że im gorzej robi się na ekranie, tym lepiej bawi się widownia.
Krwiożercze pacynki z wielkim apetytem
Rok 1920. Dziewięcioro rozbitków dociera na pozornie bezludną wyspę, licząc na ratunek i możliwość uzupełnienia zapasów. Szybko okazuje się jednak, że jedna z miejscowych sadzawek jest wypełniona kwasem, a las zamieszkuje plemię malutkich, czerwonych stworzeń przypominających wściekłe pacynki. Potworki są głodne, rozbitkowie wyjątkowo bezradni, a wyspa zdecydowanie nie jest przygotowana na przyjmowanie gości.
„Atak potworków” to niskobudżetowy horror, w którym klasyczna opowieść o rozbitkach zamienia się w krwawy teatr kukiełkowy o atmosferze starej, lekko przeklętej kasety VHS. Bohaterowie podejmują fatalne decyzje, wpadają w panikę z imponującą regularnością, a ich drewniane aktorstwo nadaje każdej scenie dodatkową warstwę niezamierzonego humoru. Absurdalne ataki potworków, prymitywne efekty gore i syntezatorowa muzyka tworzą widowisko równie dziwaczne, co ujmujące. Tytułowe stworzenia są śmieszne, urocze i zaskakująco brutalne, a śmiertelna powaga całej obsady sprawia, że im gorzej robi się na ekranie, tym lepiej bawi się widownia.
Film Michaela Stanleya nakręcono niewielkimi środkami w Connecticut w 1983 roku, choć do dystrybucji trafił dopiero dwa lata później. Przez długi czas pozostawał mało znaną osobliwością kasetowego obiegu, stopniowo zdobywając status mikrokultowego klasyka regionalnego kina grozy. Dziś ceniony jest przede wszystkim za pomysłowość twórców, ręcznie wykonane potworki oraz całkowicie szczerą próbę stworzenia krwawego monster movie bez odpowiedniego budżetu. W 2023 roku odnowiono film z oryginalnego negatywu 16 mm, przywracając go współczesnemu obiegowi kina kultowego.
reżyseria: Michael Stanley
tytuł oryginalny: Attack of the Beast Creatures
horror | USA | 1985 język: angielski napisy: polskie czas: 1 h 20 min
reżyseria: Michael Stanley
tytuł oryginalny: Attack of the Beast Creatures
horror | USA | 1985 język: angielski napisy: polskie czas: 1 h 20 min
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 58
- Wyjeżdżam.
- A co ty tam chcesz robić? – Pytali ci co zostali Kierowani koniecznością, nadzieją czy szaleństwem?
W stronę Polski, podróż niepewna, ale na pewno nieprzypadkowa.
Podróż, którą odbyłam wspólnie z bohaterami w poszukiwaniu odpowiedzi, ostatecznie okazała się sięgać dalej, niż można było się tego spodziewać…
- A co ty tam chcesz robić? – Pytali ci co zostali Kierowani koniecznością, nadzieją czy szaleństwem?
W stronę Polski, podróż niepewna, ale na pewno nieprzypadkowa.
Podróż, którą odbyłam wspólnie z bohaterami w poszukiwaniu odpowiedzi, ostatecznie okazała się sięgać dalej, niż można było się tego spodziewać…
Premiera niezależnego filmu dokumentalnego wyprodukowanego przez Natalię Lechowicz z muzyką włoskiej artystki Roberty di Lorenzo.
Projekcja filmu w języku włoskim z napisami w języku polskim
Czas trwania filmu: 108min (czas trwania wydarzenia 150 min)
- Me ne vado via.
- Che ci vai a fare? - Chiedeva chi restò Spinti dalla necessità, speranza o pazzia?
In direzione verso la Polonia, un viaggio incerto ma di certo non casuale.
Il percorso che ho fatto insieme ai protagonisti in cerca di risposte è diventato in conclusione un viaggio molto più lontano di quanto ci si potesse aspettare...
Projekcja filmu w języku włoskim z napisami w języku polskim
Czas trwania filmu: 108min (czas trwania wydarzenia 150 min)
- Me ne vado via.
- Che ci vai a fare? - Chiedeva chi restò Spinti dalla necessità, speranza o pazzia?
In direzione verso la Polonia, un viaggio incerto ma di certo non casuale.
Il percorso che ho fatto insieme ai protagonisti in cerca di risposte è diventato in conclusione un viaggio molto più lontano di quanto ci si potesse aspettare...
Średnia dostępność biletów
Wydarzenie numer 59
Wciągający dramat pokazujący niezwykłe napięcie jednego z kluczowych momentów II wojny światowej. Zapraszamy na pokaz specjalny filmu "Niebo nad Normandią" w ramach cyklu Kino i historia. Pokazy połączone są z dyskusją i wykładami historyków, specjalistami od epoki, której dotyczy film. Wydarzenie organizowane przez Kino Mikro i Instytut Historii i Archiwistyki Uniwersytetu Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie.
W dyskusji udział wezmą:
Maciej Gołąb - absolwent Instytutu Historii i Archiwistyki na UKEN. W swoich zainteresowaniach naukowych przygląda się XX wiekowi.
dyskusję moderuje Paweł Budziński.
W dyskusji udział wezmą:
Maciej Gołąb - absolwent Instytutu Historii i Archiwistyki na UKEN. W swoich zainteresowaniach naukowych przygląda się XX wiekowi.
dyskusję moderuje Paweł Budziński.
Trzymający w napięciu, oparty na prawdziwych, nieopowiedzianych dotąd, wydarzeniach film pokazujący jak jeden człowiek może wpłynąć na bieg historii. „Niebo nad Normandią” to opowieść o odpowiedzialności, samotności decyzji i o tym, że największe bitwy toczą się w naszym umyśle.
W rolach głównych: mistrz złożonych ról, charyzmatyczny Andrew Scott (Dobrzy nieznajomi), zdobywca Oscara Brendan Fraser (Wieloryb), laureat nagrody Emmy oraz Złotego Globu Damian Lewis (Homeland) oraz wszechstronna Kerry Condon (F1). Za kamerą stanął Anthony Maras, reżyser przejmującego thrillera, opartego na faktach Hotelu Mumbai.
72 godziny przed lądowaniem w Normandii, losy świata mają zależeć od… pogody. Wojna to nie tylko bitwy, to w szczególności strategie i decyzje, których skutki odczuć mogą miliony. Pracujący dla brytyjskiej armii meteorolog James Stagg (Andrew Scott) musi podjąć najważniejszą decyzję w swojej karierze – prognoza, którą przedstawi, może przesądzić o sukcesie lub klęsce największej operacji wojskowej w historii. Zamknięty w atmosferze nieufności i presji ze strony najwyższych dowódców, Stagg toczy psychologiczną walkę z czasem, wspierany jedynie przez kapitan Kay Summersby (Kerry Condon). Nad wszystkim czuwa generał Dwight D. Eisenhower (Brendan Fraser), który musi zdecydować czy ruszyć z inwazją, czy ją opóźnić – ryzykując, że Niemcy odkryją plany aliantów.
reżyseria: Anthony Maras
aktorzy: Andrew Scott, Brendan Fraser, Kerry Condon, Damian Lewis, Chris Messina
Wielka Brytania 2026, 100'
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 60
Magia powraca. Sandra Bullock i Nicole Kidman, grające główne role w filmie Totalna magia 2, powracają do świata nocnych intryg, snutych przy świetle księżyca, oraz potężnej, dziedziczonej po przodkach magii. Zapraszamy na pokaz specjalny z dyskusją w ramach cyklu Mikrofeminizacje.
Nazwiska prelegentów podamy wkrótce
Tym razem siostry Owens muszą stawić czoła mrocznej klątwie, grożącej ostatecznym rozpadem ich rodziny. Ten film to pozycja obowiązkowa, pełna humoru, magii i chaosu.
Na planie Sandrze Bullock i Nicole Kidman towarzyszą Joey King, Lee Pace, Maisie Williams, Xolo Maridueña i Solly McLeod, jak również Dianne Wiest oraz Stockard Channing. Reżyserką jest Susane Bier, a autorami scenariusza - Akiva Goldsman oraz Georgia Pritchett i Kelly Marcel, którzy napisali go na podstawie powieści Księga magii autorstwa Alice Hoffman. Producentkami filmu są Denise Di Novi, Sandra Bullock i Nicole Kidman. Funkcję producentów wykonawczych pełnią Donald Sabourin, Alice Hoffman, Andrew A. Kosove i Broderick Johnson.
Nazwiska prelegentów podamy wkrótce
Tym razem siostry Owens muszą stawić czoła mrocznej klątwie, grożącej ostatecznym rozpadem ich rodziny. Ten film to pozycja obowiązkowa, pełna humoru, magii i chaosu.
Na planie Sandrze Bullock i Nicole Kidman towarzyszą Joey King, Lee Pace, Maisie Williams, Xolo Maridueña i Solly McLeod, jak również Dianne Wiest oraz Stockard Channing. Reżyserką jest Susane Bier, a autorami scenariusza - Akiva Goldsman oraz Georgia Pritchett i Kelly Marcel, którzy napisali go na podstawie powieści Księga magii autorstwa Alice Hoffman. Producentkami filmu są Denise Di Novi, Sandra Bullock i Nicole Kidman. Funkcję producentów wykonawczych pełnią Donald Sabourin, Alice Hoffman, Andrew A. Kosove i Broderick Johnson.
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 61
Najlepsze z Najgorszych z opus magnum kina klasy B po polsku!
„The Room” z polskim dubbingiem – jeszcze wyższy poziom absurdu
„The Room” z polskim dubbingiem – jeszcze wyższy poziom absurdu
Historia kryształowo dobrego, przystojnego, zabawnego i uczciwego bankiera, który zostaje zdradzony przez narzeczoną i przyjaciela. Amerykańskie media pisały, że to „Obywatel Kane kina klasy B”. I rzeczywiście, „The Room” to jeden z absolutnie najgorszych filmów świata, antyarcydzieło, wzorcowy, wielopoziomowy przykład tego jak nie robić filmów. Jednocześnie to film kultowy film i tak zły, że aż dobry.
Tommy Wiseau jest odtwórcą jednej z głównych ról, reżyserem, scenarzystą i producentem filmu. Dla „The Room” był także założycielem firmy produkcyjnej, prezesem, dyrektorem wykonawczym, działem prawniczym, menedżerem marki i wszystkim kogo tylko można sobie wyobrazić.
Tommy Wiseau, który przez lata ukrywał swoje pochodzenie, choć wszystko wskazuje na to, że naprawdę nazywa się Tomasz Wieczorkiewicz i pochodzi z Poznania, bardzo chciał być pionierem i stworzyć coś wyjątkowego, nie posiadał jednak żadnej wiedzy o kręceniu filmów, nie był też szczególnie otwarty na uwagi bardziej doświadczonych osób. Między innymi z tego powodu „The Room” to pierwszy i prawdopodobnie wciąż jedyny film na świecie, który nakręcono jednocześnie na taśmie 35 mm oraz kamerze HD, co wymagało dwóch różnych oświetleń na planie i dwóch ekip. Budżet filmu to 6 mln dolarów czego jednak zupełnie nie widać. Początkowo „The Room” zaliczył siermiężną klapę frekwencyjną, ale z czasem wśród fanów kina klasy B i entuzjastów „guilty pleasure” stał się kultowy, obecnie znany jest na całym świecie.
DUBBINGUJĄCY: Krzysztof Petkowicz, Diana Grzeszek, Michał Jedut, Monika Rulka, Adrianna Tylus, Paweł Banaszczyk, Michał Tokarski, Monika Stolat, Karol Jakóbczyk, Kaja Karakuła, Mateusz Powszedniak i Bartosz Gomoła.
PRODUKCJA DUBBINGU: Najlepsze z Najgorszych.
reżyseria: Tommy Wiseau
występują: Tommy Wiseau, Dan Janjigian, Greg Sestero, Carolyn Minnott, Philip Haldiman
dramat / USA / 2003 1 h 39 min
PRODUKCJA DUBBINGU: Najlepsze z Najgorszych.
reżyseria: Tommy Wiseau
występują: Tommy Wiseau, Dan Janjigian, Greg Sestero, Carolyn Minnott, Philip Haldiman
dramat / USA / 2003 1 h 39 min
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 62
Apendyks do Polskiej Szkoły Filmowej. Nakręcony po latach powrót Andrzeja Wajdy do tematyki II wojny światowej, opisujący tym razem trudną do wyleczenia traumę po niedawnej tragedii. W wyzwolonym przez armię amerykańską obozie koncentracyjnym poznajemy grupkę Polaków, próbujących po wielu latach niewoli nauczyć się od nowa normalności. Grany przez Daniela Olbrychskiego Tadeusz (postać oparta na osobie pisarza Tadeusza Borowskiego) nie zdejmuje pasiaka, snuje się między barakami przekształconymi przez Amerykanów w obóz dla uchodźców i poznaje piękną Żydówkę Ninę (debiut Stanisławy Celińskiej). Piętno śmierci nie pozwala bohaterom żyć i kochać, prześladuje ich bez końca i prowadzi do nieuchronnej tragedii.
"Krajobraz po bitwie" jest jednym z najbardziej gorzkich filmów Wajdy. Kolejną wersją opowieści o ludziach, którzy zdołali przeżyć piekło wojny, ale w czasach pokoju nie są w stanie pozbyć się traum, lęków i poczucia życiowej klęski. Filmowe postaci bardziej przynależą do śmierci niż życia, snując się wśród żywych jak upiory. Chcą kochać, ale nawet gdy jest im to dane, to okrutne fatum uniemożliwi realizację marzeń.
KRAJOBRAZ PO BITWIE / LANDSCAPE AFTER THE BATTLE (1970)
scenariusz/written by: Andrzej Brzozowski, Andrzej Wajda
wg opowiadania Tadeusza Borowskiego / based on a short story by Tadeusz Borowski
zdjęcia/DOP: Zygmunt Samosiuk
produkcja/produced by: Zespół Filmowy „Wektor” / Film Unit „Wektor”
obsada/cast: Daniel Olbrychski, Stanisława Celińska, Tadeusz Janczar
nagrody/awards: Golden Globe na MFF w Mediolanie / Milan IFF
czas trwania/running time: 101’
"Krajobraz po bitwie" jest jednym z najbardziej gorzkich filmów Wajdy. Kolejną wersją opowieści o ludziach, którzy zdołali przeżyć piekło wojny, ale w czasach pokoju nie są w stanie pozbyć się traum, lęków i poczucia życiowej klęski. Filmowe postaci bardziej przynależą do śmierci niż życia, snując się wśród żywych jak upiory. Chcą kochać, ale nawet gdy jest im to dane, to okrutne fatum uniemożliwi realizację marzeń.
KRAJOBRAZ PO BITWIE / LANDSCAPE AFTER THE BATTLE (1970)
scenariusz/written by: Andrzej Brzozowski, Andrzej Wajda
wg opowiadania Tadeusza Borowskiego / based on a short story by Tadeusz Borowski
zdjęcia/DOP: Zygmunt Samosiuk
produkcja/produced by: Zespół Filmowy „Wektor” / Film Unit „Wektor”
obsada/cast: Daniel Olbrychski, Stanisława Celińska, Tadeusz Janczar
nagrody/awards: Golden Globe na MFF w Mediolanie / Milan IFF
czas trwania/running time: 101’
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 63
ATAK POTWORKÓW
Krwiożercze pacynki z wielkim apetytem
Rok 1920. Dziewięcioro rozbitków dociera na pozornie bezludną wyspę, licząc na ratunek i możliwość uzupełnienia zapasów. Szybko okazuje się jednak, że jedna z miejscowych sadzawek jest wypełniona kwasem, a las zamieszkuje plemię malutkich, czerwonych stworzeń przypominających wściekłe pacynki. Potworki są głodne, rozbitkowie wyjątkowo bezradni, a wyspa zdecydowanie nie jest przygotowana na przyjmowanie gości.
„Atak potworków” to niskobudżetowy horror, w którym klasyczna opowieść o rozbitkach zamienia się w krwawy teatr kukiełkowy o atmosferze starej, lekko przeklętej kasety VHS. Bohaterowie podejmują fatalne decyzje, wpadają w panikę z imponującą regularnością, a ich drewniane aktorstwo nadaje każdej scenie dodatkową warstwę niezamierzonego humoru. Absurdalne ataki potworków, prymitywne efekty gore i syntezatorowa muzyka tworzą widowisko równie dziwaczne, co ujmujące. Tytułowe stworzenia są śmieszne, urocze i zaskakująco brutalne, a śmiertelna powaga całej obsady sprawia, że im gorzej robi się na ekranie, tym lepiej bawi się widownia.
Krwiożercze pacynki z wielkim apetytem
Rok 1920. Dziewięcioro rozbitków dociera na pozornie bezludną wyspę, licząc na ratunek i możliwość uzupełnienia zapasów. Szybko okazuje się jednak, że jedna z miejscowych sadzawek jest wypełniona kwasem, a las zamieszkuje plemię malutkich, czerwonych stworzeń przypominających wściekłe pacynki. Potworki są głodne, rozbitkowie wyjątkowo bezradni, a wyspa zdecydowanie nie jest przygotowana na przyjmowanie gości.
„Atak potworków” to niskobudżetowy horror, w którym klasyczna opowieść o rozbitkach zamienia się w krwawy teatr kukiełkowy o atmosferze starej, lekko przeklętej kasety VHS. Bohaterowie podejmują fatalne decyzje, wpadają w panikę z imponującą regularnością, a ich drewniane aktorstwo nadaje każdej scenie dodatkową warstwę niezamierzonego humoru. Absurdalne ataki potworków, prymitywne efekty gore i syntezatorowa muzyka tworzą widowisko równie dziwaczne, co ujmujące. Tytułowe stworzenia są śmieszne, urocze i zaskakująco brutalne, a śmiertelna powaga całej obsady sprawia, że im gorzej robi się na ekranie, tym lepiej bawi się widownia.
Film Michaela Stanleya nakręcono niewielkimi środkami w Connecticut w 1983 roku, choć do dystrybucji trafił dopiero dwa lata później. Przez długi czas pozostawał mało znaną osobliwością kasetowego obiegu, stopniowo zdobywając status mikrokultowego klasyka regionalnego kina grozy. Dziś ceniony jest przede wszystkim za pomysłowość twórców, ręcznie wykonane potworki oraz całkowicie szczerą próbę stworzenia krwawego monster movie bez odpowiedniego budżetu. W 2023 roku odnowiono film z oryginalnego negatywu 16 mm, przywracając go współczesnemu obiegowi kina kultowego.
reżyseria: Michael Stanley
tytuł oryginalny: Attack of the Beast Creatures
horror | USA | 1985 język: angielski napisy: polskie czas: 1 h 20 min
reżyseria: Michael Stanley
tytuł oryginalny: Attack of the Beast Creatures
horror | USA | 1985 język: angielski napisy: polskie czas: 1 h 20 min
Duża dostępność biletów
Wydarzenie numer 64
Kino Mikro i Małopolsko-Podkarpacki Oddział Polskiego Towarzystwa Psychoterapii Psychoanalitycznej zapraszają na pokaz specjalny filmu "Powiedz mi co czujesz".
W dyskusji udział wezmą:
✨ Marta Flasza - psycholożka i psychoterapeutka psychoanalityczna
✨ Anna Taszycka - filmoznawczyni.
„Powiedz mi, co czujesz” to subtelna opowieść o miłości dwojga młodych artystów, dla których pierwszy poważny związek w dorosłym życiu staje się lustrem ich dawnych doświadczeń i blizn. W rolach głównych występują obiecujący aktorzy młodego pokolenia: Jan Sałasiński, Izabella Dudziak oraz Sebastian Dela. Film jest inspirowany życiem i twórczością Patryka Różyckiego oraz Karoliny Balcer i projektem artystycznym „Skup Łez” Alicji Rogalskiej i Łukasza Surowca.
Bohaterowie mają po dwadzieścia lat. Ona tworzy nietypowy projekt SKUP ŁEZ, w którym płaci ludziom za ich… łzy. On - początkujący artysta - nie potrafi płakać. Ich uczucie rozwija się intensywnie i szybko, otwierając drogę do głębokiej przemiany, która okaże się jednym z najważniejszych doświadczeń w ich życiu. „Powiedz mi, co czujesz” to poruszająca historia o intymnej bliskości i miłości, która potrafi być najlepszym terapeutą.
W dyskusji udział wezmą:
✨ Marta Flasza - psycholożka i psychoterapeutka psychoanalityczna
✨ Anna Taszycka - filmoznawczyni.
„Powiedz mi, co czujesz” to subtelna opowieść o miłości dwojga młodych artystów, dla których pierwszy poważny związek w dorosłym życiu staje się lustrem ich dawnych doświadczeń i blizn. W rolach głównych występują obiecujący aktorzy młodego pokolenia: Jan Sałasiński, Izabella Dudziak oraz Sebastian Dela. Film jest inspirowany życiem i twórczością Patryka Różyckiego oraz Karoliny Balcer i projektem artystycznym „Skup Łez” Alicji Rogalskiej i Łukasza Surowca.
Bohaterowie mają po dwadzieścia lat. Ona tworzy nietypowy projekt SKUP ŁEZ, w którym płaci ludziom za ich… łzy. On - początkujący artysta - nie potrafi płakać. Ich uczucie rozwija się intensywnie i szybko, otwierając drogę do głębokiej przemiany, która okaże się jednym z najważniejszych doświadczeń w ich życiu. „Powiedz mi, co czujesz” to poruszająca historia o intymnej bliskości i miłości, która potrafi być najlepszym terapeutą.
Duża dostępność biletów